Institut de Recherche sur la Renaissance l'Age Classique et les Lumières

International audience

Several of the women Thomas Heywood writes about in Gynaikeion were familiar exemplars in the arts, but less frequently embodied on stage as characters in their own right. This chapter looks at what happens when Heywood lifts two victims of rape, Callisto and Lucrece, out of the realm of example to bring them on stage in The Golden Age and The Rape of Lucrece respectively. It explores what happens in the process of enacting familiar tales of seduction, and the possible impact on the expectations of spectators, to whom the ultimate outcome is known. Rather than try to resolve contradictions between the multiple versions he draws on, Heywood plays with the dynamics this allows him in a multigeneric, empathetic approach. Through the challenge of staging a rape, Heywood also explores the ethics and challenges of staging the mythographic process.

Alors que la pensée de James Harrington, souvent associée à l’utopisme, repose sur un véritable matérialisme, alors qu’il appuie sa vision de l’histoire et de la citoyenneté sur des phénomènes économiques, il semble peu au fait des réalités et surtout des théories de son temps dans ce domaine. On cherche à montrer comment ses propos sur l’économie et le commerce entrent dans une stratégie d’exposition qualitative et non quantitative, et à quel point il est sensible aux dimensions socio-économiques que convoque sa théorie.

La tragi-comédie au tournant du siècle est un genre encore en germe, dont les frontières avec les autres genres comme la tragédie et la pastorale restent fort poreuses. Par ailleurs, des pièces tragi-comiques sont publiées sur l’ensemble du territoire français, dans les différentes provinces du pays. L’excentricité formelle de la tragi-comédie, genre aux marges de la tragédie, est-elle ainsi spécifique au théâtre provincial, en opposition avec une tragi-comédie parisienne ?

ABSTRACTWhile much scholarship of the nineteenth century has been justly devoted to the Romantic veneration for Shakespeare, the elaborate stagings of his works and the professionalisation of Shakespeare studies during the course of the period, this article focuses upon Shakespeare himself onstage in the theatres of London and Paris. Many theatrical productions in both capitals offered scenes of characters reading, reciting and paraphrasing Shakespearean texts in dramatic, comic and/or burlesque settings; however, a number offered the figure of the dramatist amongst the dramatis personae. Often drawing inspiration from Alexandre Duval’s Shakespeare Amoureux (1804), both French and English dramatists exploited the rising cultural capital of the Renaissance dramatist to have him directly intervene in dramatic intrigues and sometimes to assume the role of protagonist. This discussion will focus upon some of the ways in which Shakespeare was called upon to tread the boards of Parisian and London theatrical and musical stages in the period c. 1830–1870.

Cet article propose de mettre au jour le lien qui régit l’espace et le sujet dans le Manuscrit trouvé à Saragosse. Partant du postulat que, dans cette œuvre, le lieu semble constitutif de l’être, qu’il le conditionne jusque dans son identité la plus intime par l’influence des mœurs, de la filiation ou encore du climat, il semble intéressant d’interroger ce qu’est l’homme pour Potocki, indépendamment de son espace. Le lecteur est en effet le témoin privilégié d’une expérience sur l’humain menée à travers la Sierra Morena comme « laboratoire ontologique », dont il s’agit d’analyser les résultats.

Bâtisseuse de Babylone et d’autres cités, guerrière, impératrice et amante, Sémiramis inspira aux auteurs de l’Antiquité de nombreux récits contrastés de ses faits et gestes. Les Pères de l’Église, dont Saint Augustin, l’associaient à la cité de Babylone et, en prolongement, à la tour de Babel. Le présent article explore quelques facettes de la figure de Sémiramis telle qu’elle s’est recomposée dans des textes européens de la fin du Moyen Âge et de la première modernité, et d’étudier les représentations contrastées qui en découlèrent dans la littérature anglaise, grâce au matériau qui circulait dans les dictionnaires et les traductions. Il en ressort une figure plurielle, lieu d’interaction des traditions mythologique et biblique, qui invite à une exploration et réévaluation des codes de représentation de la femme et de l’homme.

Contrairement à ce qu’on pourrait imaginer, le type du « méchant » français, assassin, traître ou prédateur sexuel, est rarement représenté par les dramaturges élisabéthains sous un jour comique voire grotesque ou absurde. Au terme d’une recherche menée en marge du projet de base de données Allusions to France and the French in English Drama to 1642, un nombre fort réduit de cas ont été identifiés, dans des pièces de Greene, Lodge, Marston, ou dans des textes anonymes. Par ailleurs, les « méchants » français (les français sont méchants par définition puisqu’ennemis des Anglais―ainsi en est-il des pièces historiques) et les français comiques mais pas particulièrement méchants, abondent dans le théâtre de l’époque, y compris chez Shakespeare. Les personnages principaux que sont Pedro dans The Wounds of Civil War de Lodge et Jaques dans James IV de Greene sont traités différemment par les deux dramaturges. L’un s’enfuit, terrifié à la vue du visage de sa victime, le consul romain Caius Marius. L¹autre prend la fuite après avoir tenté, sans succès, de tuer la femme du roi, abandonnant son patron Ateukin, le vrai “méchant” de la pièce, à son destin, et jure de rentrer en France pour ne pas être pendu dans un pays étranger. Un troisième personnage d’une petite pièce de Marston complète cette courte liste. L’Italie et l’Espagne fourniraient aux dramaturges anglais dans les premières décennies du XVIIe siècle beaucoup plus de matière, dans la comédie comme dans la tragédie.