Ricardo Basbaum e Jorgge Menna Barreto são artistas, pesquisadores e professores universitários, têm um corpo teórico consistente de textos, incluindo dissertação e tese, se engajam em publicações, oficinas e palestras. Eles ilustram a conexão entre a universidade e os mais variados circuitos da arte através da educação e da pesquisa, até o momento em que essas questões não são apenas condições institucionais, mas são, antes, qualidades constitutivas de seus projetos poéticos. Assim, o propósito deste estudo, a partir de uma perspectiva historiográfica da arte, é delimitar a importância para a arte contemporânea das linhas poéticas tanto da educação quanto da pesquisa, ambas parte de um fenômeno maior de interesse da arte sobre o conhecimento.

Fragmentos de um noturno (2008) é a obra analisada no artigo, partindo da premissa que o artista, nomeadamente artista visual, oferece nessa série a possibilidade de experienciarmos outras manifestações de artes, interlocuções matéricas e conceituais, a ver, a música e a composição musical, sendo o piano e a música erudita abordados por Gaiad como imagem, desdobramentos de sua própria experiência de vida. Percepções visuais de uma sonoridade que não nos alcança.

Este artigo trata da questão da autoria no contexto de grupos, núcleos e coletivos de artistas da Dança que vem trabalhando de maneira colaborativa. Pretende uma atualização do termo autoria para ser pensado sempre como coautorias em rede. Tal proposta sugere a diluição da imagem do autor como gênio criador e aponta para uma perspectiva de que todo discurso é tecido junto com outros tantos discursos que o compõem. Ou seja, trata-se sempre de coautorias. O eixo bibliográfico tangencia diálogos entre filósofos como Foucault (1969), Barthes (1988) e Agamben (2007) com pesquisadores artistas como Setenta (2008), Barreto (2017), Araújo (2011) e Salles (2017).

A tríade Dança, Pintura e Filosofia lança um olhar sobre as imbricações dessas duas manifestações artísticas com a Filosofia, em especial do fenomenólogo Merleau-Ponty em seus escritos sobre pintura. Considera-se o corpo em seu não movimento, mas registrado sob o formato de pintura de artistas como Degas, Matisse e Toulouse-Lautrec que em suas pinturas registraram a Dança como premissa para se pensar o corpo. Tal propósito se fará a partir do singular encontro entre os trabalhos de pintores que trazem em suas obras a dança. Propõe como objetivo compreender como a percepção/sensação de um corpo que dança pode expressar-se também na pintura, bem como refletir sobre o estatuto do corpo e da dança nas artes visuais, em especial na pintura a partir da fenomenologia. A natureza da pesquisa é qualitativa descritiva tendo como abordagem metodológica a fenomenologia no que diz respeito a estesiologia e seus sentidos buscando tal compreensão no sensível e nas vozes do silêncio.

Ficha técnica, expediente e informações do V Encontro Art Research Journal: Políticas Editoriais e Internacionalização; II Fórum Nacional de Editores de Periódicos da Área de Artes, realizado em São Paulo, 26 e 27 de maio de 2017, no Instituto de Artes da UNESP.

Este trabalho aborda a criação do espetáculo “Leonídia: ela é doida?”, pela “Trupe DiVersos”, do Projeto Paratodos/UFRJ, apresentado por skype no “Seminário Internacional Corpos Diferenciados na Arte Contemporânea” (UFRN, Natal, dezembro/2014), acrescido dos principais desdobramentos dessa criação desde então. Leonídia é fruto do curso de extensão “Criação Cênica Polifônica” (CCP), cuja ideia central consistiu em aplicar as noções de Produção Partilhada do Conhecimento (PPC) (Bairon e Lazaneo, 2012) e de polifonia (Bakhtin, 2010) na cena. Somados ao contato com manifestações de culturas tradicionais do Brasil, os conceitos materializam-se em realização artística e demais produções: eventos acadêmicos, material audiovisual e este artigo. A criação, roteirização e montagem de um espetáculo por um grupo que tem como característica a diversidade aposta no aumento da permeabilidade entre universidade

Entrevista com Douglas Rosenberg por Beatriz Cerbino e Leonel Brum.

O espanhol Segundo de Chomón figurou com destaque entre os realizadores dos primórdios do cinema. No início do século XX, circulou por diversas companhias europeias emprestando sua expertise a centenas de filmes. Especialista em trucagens, fez uso de novos recursos técnicos e estilísticos, mais tarde incorporados à gramática cinematográfica. Dentre as técnicas que experimentou, a animação tem particular importância, ganhando um número expressivo de títulos em sua filmografia. Chomón encontrou nessa nova forma de fazer filmes um meio para conferir personalidade às suas criações. Transitou com desenvoltura pelos seus caminhos, experimentando suas muitas variações. Este artigo faz uma leitura das animações de Chomón à luz de seu experimentalismo, focalizando a contribuição do diretor para esta “arte dentro da arte”.

Este texto traz uma reflexão acerca do trabalho do Personne, uma reunião de artistas interessados na produção de trabalhos que envolvem o repertório da música contemporânea e das artes sonoras, em sua articulação com outras formas artísticas. O grupo nasceu do projeto de transcriação da Symphonie pour un homme seul, obra referencial da musique concrète, para uma versão instrumental. Neste projeto e nos trabalhos subsequentes, transparece a criação voltada para a experimentação, no sentido de uma exploração da prática de cada um de seus integrantes, sem que haja qualquer desejo ou tentativa de formalizar essa prática. Assim, o texto apresenta as reflexões e indagações de cinco integrantes do Personne que, partindo dos próprios trabalhos do grupo, acabam por projetar suas concepções críticas em relação à música e às artes sonoras em geral.