A partir de la experiencia artística ambiental de la reserva de Urdaibai, la investigación establece indicadores artísticos-medioambientales, técnicos-medioambientales, de impacto ambiental y de sostenibilidad, que permiten determinar y evaluar elementos artísticos- medioambientales de una intervención en las que se da una interacción entre los elementos constituyentes de la obra y un medio natural. Como resultado, se obtuvo un documento de índole sensitivo-artístico-medio ambiental, herramienta de evaluación llamada FEAM “Ficha de Evaluación Artístico Ambiental”. En dicha reserva, se desarrollo el proyecto “Sentido y Sostenibilidad”, consistente en la intervención de obras “sitio-especificas” de diez artistas”. La investigación entregó directrices que sirvieron para mejorar y optimizar la FEAM (Ficha de Evaluación Artístico Ambiental).Palabras-clave: EVALUACIÓN; SOSTENIBILIDAD; ARTE; MEDIO AMBIENTE; URDAIBAI Artistic-environmental analysis tools design: Urdaibai Biosphere Reserve as a case studyAbstractBased on the environmental-artistic experience from the Urdaibai´s reserve, our research establishes environmental-artistic indicators, environmental-technical indicators and the sustainability and the environmental impact that allow to determinate and evaluate the environmental-artistic elements of the intervention, in which an interaction between the elements of the artwork and the environment takes place. As a result, a document of such sensitive- artistic meaning came out, as a tool of assessment called FEAM “environmental- artistic evaluation form”. In this nature reserve, it was developed the project “Sense and Sustainability”, which consists of ten site-specific artworks from different artists. The research produced indicators that were useful in order to improve and optimize the FEAM (Environmental-Artistic Evaluation Form).Keywords: ASSESSMENT; SUSTAINABILITY; ART; ENVIRONMENT; URDAIBAI

O presente texto aborda investigações em torno de experiências de silêncio, bem como acerca de propostas que envolvem umaescuta porosa, reflexões que dialogam com autores como Roland Barthes, Jean-Luc Nancy, Brandon LaBelle, Peter Galison, entre outros. Tais investigações movem o processo dos trabalhosAssonâncias de silêncios [sala de escuta](2008-2010) e60 silêncios empilhados(2010-2014), duas instalações que articulam relações entre componentes sonoros e escritos, propondo situações de leitura e escuta de silêncios. Apresenta-se também reflexões sobre as intersecções entre silêncio e ruído, a partir da referência de John Cage, do silêncio como interrupção de sentido e acerca de uma espécie desilêncio acústico: as localizações do silêncio – onde e aonde acontecem os silêncios? No encontro ou desencontro entre audição, escuta, contexto e sentido? Porém, como propor umsilêncio acústico?

Modernitatearen helburua artelan totalak garatzea zen, bere garaiaren esentzia antzematen zutenak. Beethovenen “Sinfonia Heroiko” artelan musikala dugu honen adibide: soinu totala. Bestetik, XX. mendearen hasieran italiar futuristak zarataren artearen etorrera sumatzen hasi ziren; hiriko eta industria paisaiaren abiadura, energia eta zarata aldarrikatuz. Kapitalaren errotazio abiaduraren bizkortzearekin batera, musikaren erritmoa ere azeleratu egin da. Musika industrialak, elektronikoak eta punkak bere garaiko zarata (eta abiadura) hartzen dute oinarri. Zarata hauek soinu izan nahi dute, garaiko inkomunikazioa bada ere komunikatzen dutena: zarataren soinua. Egungo kapitalismo azeleratuak denbora historikoaren zatiketa dakar, logika postmodernoaren bitartez produktu kulturalen hustuketa sustatuz. Musikan diskoaren narratibaren aurrean zatiketa nagusituz doa; abesti solteak, bere testuinguru orokorretik erauziak. Deskonexioa ultra konexioaren garaian: zarata totala.

La utilización de lo cotidiano en el arte cambia; actualmente es la tecnología y sus extensiones electrónicas quienes están bajo este marco. El paso de lo analógico a lo digital ha generado un nuevo elemento de trabajo, una materia no perceptible transmitida por el aire. Nos relacionamos con más máquinas que con personas, y estas no hablan pero generan energías y vibraciones, un segundo nivel de interacción máquina-usuario. Las energías nos atraviesan y podemos ser sensibles o no, o mejor dicho, podemos ser conscientes o no. El sueño por entender el mundo se basa en dominar todos los medios, lo visible y lo invisible. Por ello mi práctica artística e investigación se ha centrado en la detección de las señales electromagnéticas emitidas por las máquinas para hacerlas perceptibles. Amplificando la señal mediante un dispositivo que aumenta el valor de la señal, las bajas frecuencias como las ondas de radio, la luz solar o la emitida por plantas y organismos vivos, se hacen perceptibles. Estas frecuencias han sido modificadas y empleadas en diferentes composiciones musicales y trabajos artísticos.

La actualidad está marcada por la superproducción y consumo de imágenes que constituyen uno de los pilares de lo que se ha denominado cultura visual. La velocidad con la que actualmente se re-producen las imágenes, satura nuestra capacidad de discernir e interpretar, generando situaciones que desbordan nuestro poder de asimilación, y anula los tiempos para el análisis que precisa una mirada crítica. Ante esta espectacular densificación de la iconosfera, planteamos el concepto deruido visualcomo metáfora de esta circunstancia de sobreexposición al entramado audiovisual a la que nos vemos sometidos continuamente. La aceleración de los acontecimientos y las transformaciones tecnológicas, así como sus consecuencias, son el punto de partida de algunas propuestas que desde el ámbito de la práctica artística, visibilizan ciertas problemáticas a las que se enfrenta una sociedad marcada por el uso excesivo (abuso) de imágenes y la reiteración de contenidos.

La danza se considera una herramienta que contribuye al bienestar de la persona desde una perspectiva integradora. Estudios anteriores afirman, a través del Dibujo de la Figura Humana (DFH), que mejora el bienestar emocional y físico en población con Discapacidad Intelectual (DI). El DFH evalúa el antes y el después de la sesión de danza, pero no durante. Así pues, los objetivos de este estudio son: Actualizar estudios anteriores sobre el test del DFH en población con DI que participan en actividades de danza. Revisar el tipo de instrumento más adecuado para población con DI que complemente la información que nos ofrece el test DFH, en relación a los cambios de movimiento que suceden durante la sesión de danza. Determinar las características que debería tener el protocolo para la creación del instrumento de evaluación de los cambios de movimiento.; From a holistic approach, the dance is considered a tool which contributes to the wellbeing of a person. Previous studies claimed to improve the emotional and physical well-being through the Human Figure Drawing (HFD) on a population with intellectual disability (ID). The HFD was evaluated before and after a dance session, but not throughout it. Therefore, the objectives of this study are: update previous studies of the HFD test on a ID population participating in dance activities. To review the most appropriate type of instrument for people with ID to supplement the information obtained from the HFD test related to the changes in motion that occur during the dance session. Determinate which characteristics the protocol should have in order to generate an evaluation tool to assess movement changes.

This article presents the design and initial results of a research that extends to 2016 and aims to optimize the adaptation of dance in higher education to the evaluation procedures of the higher education at the Spanish universities, pursuing the consonance with the quality standards of the European Higher Education Area (EHEA). In this first phase of the research, 2014-2015, a legislative approach to dance studies together with the identification of the different profiles of teachers have been done.

El escritor yugoslavo Danilo Kis mostró que frente a la Historia oficial era posible una narración íntima y particular de los acontecimientos. Todas aquellas personas carentes de un nombre propio con resonancia social, tenían un lugar en su Enciclopedia de los muertos. Bajo idéntica preocupación, esa confrontación entre tiempo personal y tiempo histórico, el cineasta húngaro Péter Forgács, recuperando filmaciones anónimas de personas que vivieron acontecimientos dramáticos, resucita momentos cruciales que residen en el horizonte del olvido definitivo e intenta reconfigurar así nuestra conciencia histórica.

Este texto trata la relación entre espacio y tiempo en la escultura, ante el desafío que las nuevas tecnologías suponen para la experiencia temporal del individuo. La práctica escultórica actual, como área que conserva algunas especificidades, se encuentra afectada por las necesidades sociales de dar espacio a la memoria colectiva y de construir enlaces históricos que definan otros puntos de vista. Se trata de la noción de archivo aplicada a la escultura, que conlleva la utilización consciente de los flujos de información y de conocimiento como mercancías de nuestro tiempo. Los artistas que se sitúan en este tipo de práctica comparten con la tradición escultórica la ambi­ción de generar movimiento y activar ilusiones de vida alrededor del objeto artístico. Sin embargo, sus tra­bajos presentan unas características nuevas con respecto al uso del tiempo que trasladan la mirada fuera del espacio expositivo. De esta manera, la materialidad de la obra se convierte en el núcleo de situaciones que pertenecen a temporalidades distintas. Con este planteamiento, y a través del análisis del trabajo de los artistas Danh Vo, Adrián Villar Rojas y Asier Mendizabal, se argumenta cómo el medio escultórico puede cumplir una función de síntesis entre archivo y forma, permitiendo que la escultura sea portadora de narraciones y refleje ritmos que se encuentran fuera de sus límites materiales.

Rosalind Krauss se pregunta en su texto "Video: the Aesthetics of Narcissism" (1976): ¿qué significaría decir "el medio del vídeo es el narcisismo"? Partiendo de esta pregunta la autora analiza lo que significa el cuerpo y la acción en relación al vídeo y al nuevo marco artístico que este supone. Previamente McLuhan se había referido al mito de Narciso, enamorado de su propia imagen, en "Comprender los medios de Comunicación. Las extensiones del ser humano" (1964). Esta sensibilidad sobre la autopercepción se complejiza con la llegada de los sistemas electrónicos e informáticos, que propician la extensión y la repetición de la propia imagen. Por un lado, la propuesta de McLuhan nos abre el campo crítico de los medios de comunicación y de su creciente influencia en la sociedad y especialmente en la vida cotidiana. De otro lado, la pregunta de Krauss, si bien se centra en el contexto del vídeo arte, nos sirve como punto de partida para analizar el modo en que el cuerpo y la performatividad se insertan de manera específica en el ámbito de la televisión. A partir de estos planteamientos y buscando siempre los cruces, los rozamientos y las colisiones de la práctica artística con los medios de comunicación, se examinan algunos ejemplos de cómo el artista, su cuerpo y su acción suponen una intervención de carácter político en el flujo televisivo. Una intervención que supone siempre un acto de resistencia pues la televisión se constituye como un espacio de poder en el que se asientan los sistemas de representación hegemónicos y se homologan discursos, actitudes y estilos de vida. En este sentido, el trabajo de pioneros como Ernie Kovacs constituyen una referencia importante, así como las intervenciones televisivas de artistas tan aparentemente dispares como Fred Forest, Mathieu Laurette, James Lee Byars, o Chris Burden.