Desde a década de 1980, as cinematografias indígenas de Abya Yala vêm se consolidando no cenário audiovisual, nas instituições acadêmicas e nas comunidades, com suas redes de comunicadores, núcleos de produção e escolas de comunicação. A partir dos estudos de cinema, históricos e antropológicos, da perspectiva de intelectuais e cosmologias indígenas, conjugando com o trabalho de análise das imagens, sistematizamos cenários do campo epistemológico (apagamento/(re)afirmação), das denominações (adoção/reversão) e dos estereótipos coloniais (redução, especialização, naturalização). Neste texto analisamos perspectivas fílmicas contracolonizadoras Mapuches (Jeannette Paillán, Gerardo Berrocal, Juan Rain, Adkimvn), que, problematizando os regimes visuais, combatem o colonialismo permanente, apresentando outras versões e variáveis históricas.

Este artigo investiga os movimentos de desterritorialização no cinema, analisando como as experiências de exílio, migração e diáspora reverberam no espaço diegético das narrativas. A partir do filme A Media Voz (2019), das cineastas cubanas Heidi Hassan e Patricia Pérez, refletimos sobre as dimensões subjetivas, históricas e políticas desses deslocamentos e sua inscrição na forma cinematográfica. Ao colocar em perspectiva a prática epistolar e autoetnográfica (Russell 1999), examinamos como as diretoras encenam suas subjetividades e constroem um sentido de alteridade nos interstícios do eu fragmentado. O artigo propõe uma aproximação entre os “cinemas com sotaque” contemporâneos (Naficy 2001) e o filme-ensaio, destacando como a forma ensaística opera em um entre-lugar, aberto às fraturas e aos processos de transformação das identidades migrantes e diaspóricas. Nesse contexto, propomos o conceito de paisagens do deslocamento para refletir sobre geografias afetivas que emergem da inscrição subjetiva dos corpos, vozes e gestos de quem habita entre-fronteiras — sejam elas simbólicas, linguísticas ou sociais.

Recensão crítica do livro Cinema e Dialéctica: Uma Gramática Profunda (2024), escrito por Sérgio Dias Branco.

Nesta entrevista, Assumpta Serna reflete sobre a sua experiência como atriz na indústria cinematográfica espanhola, desde a sua estreia no final dos anos 70 até 1986, nos anos da transição democrática. Serna partilha as dificuldades de diálogo criativo com cineastas como Carlos Saura e Pedro Almodóvar, e como encontrou nos gestos e nas formas de expressão, através do close-up ou do olhar, o pensamento e o desejo feminino ativo das suas personagens.

Este dossier temático tiene el propósito de estudiar el papel que jugaron las actrices en el cine de dos países, España y Brasil, durante sus respectivos períodos de transición democrática. Alineado con la disciplina de los star studies, el método de análisis propuesto parte, en primera instancia, de detectar tensiones y transgresiones en las gestualidades de las actrices, en sus comportamientos y en sus cuerpos, para verlas aparecer como sujetos activos en la pantalla. Así, siguiendo la línea teórica de autoras como Leslie Adelson o Aurora Morcillo, que instituye que los cuerpos femeninos pueden llegar a reflejar un momento histórico o erigirse en metáfora de una sociedad, este dossier busca establecer correspondencias entre las actrices estudiadas –Sônia Braga, Maria Gladys, Yeda Brown, Amparo Muñoz y María José Cantudo – y el contexto de cambios convulsos y transformaciones en el que se inscriben. Uno de los objetivos perseguidos consiste en determinar en qué medida se puede llegar a reconstruir, a través del estudio de las actrices y de las posibilidades de enunciación que exploran en sus interpretaciones, una alternativa al relato histórico oficial.

Yeda Brown (Yeda Abáz de Carvalho) é uma atriz trans brasileira que chega à Espanha no ano de 1975 para continuar sua carreira no mundo do espetáculo e iniciar seu trabalho como atriz cinematográfica. Este artigo propõe analisar a star image da atriz, considerando seus papéis no cinema e sua presença na imprensa durante os anos da Transição Espanhola. Este material será analisado com o objetivo de examinar as mudanças nos regimes do dizível e do visível, partindo da arqueologia foucaultiana, considerando aspectos antes considerados irrepresentáveis em uma sociedade que se abria a novos discursos sobre a marginalidade. O propósito fundamental desta análise é verificar como esses discursos desafiam diretamente os paradigmas identitários que prevaleciam na recém-formada democracia espanhola. Pretende-se explorar as tensões que surgem em uma sociedade em transição, ainda arraigada em um modelo de família tradicional, ao observar como a alteridade encontra sua expressão no corpo da atriz Yeda Brown, estrangeira e transexual.

Nesta entrevista, Tom Gunning comenta sua trajetória cinéfila, sua formação acadêmica e os primeiros anos de pesquisa. Gunning também ressalta os diálogos com outros colegas da sua geração, como Noël Burch, David Bordwell, Thomas Elsaesser e Laura Mulvey. O conceito de cinema de atração, o papel da análise formalista nos estudos de cinema e a questão do racismo na obra de D.W. Griffith são alguns dos temas abordados.

Recensão crítica do livro Filmmakers on Film: Global Perspectives, organizado por André Rui Graça, Eduardo Baggio e Manuela Penafria (Bloomsbury/ BFI, 2023).

Peter Kubelka, Kurt Kren e Peter Tscherkassky representam três gerações distintas do cinema de vanguarda austríaco. Neste artigo, analisamos uma obra de cada um desses cineastas, nomeadamente, Arnulf Rainer (1960), 37/78 Tree Again (1978) e Train Again (2021), que consideramos “filmes-opúsculos” de cada uma dessas gerações. Estes trabalhos engendram um pensamento a respeito da natureza do filme e no filme, privilegiando os sentidos afectivos (hápticos) com a imagem. Neles vêm à tona a relação visceral com a matéria fílmica, nos lembrando que esta também é feita de materiais orgânicos, ou seja, é um ser vivo, por isso, suscetível à morte. Como veremos, no choque dialógico entre dois corpos – o corpus fílmico e o corpo espectatorial – surge uma manifestação da natureza (physis). Os três filmes também investigam a temporalidade, considerada uma das qualidades intrínsecas do cinema. Será justamente a partir da observação da natureza-morta e da paisagem natural que diversos artistas buscaram apreender as qualidades lábeis, impalpáveis e atmosféricas do continuum do tempo. Para além de expor como estes estudos “naturais” retornam nos filmes dos três autores austríacos, demonstramos também como eles se aproximam dos conceitos de sublime kantiano por meio de um deslocamento da experiência com as forças da natureza para as forças da tecnologia. Concluímos que cada um desses cineastas elabora, à sua maneira, novos capítulos sobre a relação entre cinema e natureza, uma relação dialética com as artes visuais, sem necessariamente chegar a uma síntese redentora. Para tal, utilizamos conceitos e escritos de Jacques Aumont, Giorgio Agamben, David E. Nye e Victor Stoichita.

The COVID-19 (SARS‑CoV‑2) pandemic has led to a generational crisis for film exhibition around the world. Since the pandemic began in 2019, movie theaters have been forced to close their doors temporarily or permanently, alter their modes of presentation and the parameters of the theatrical experience, and transform their operations in countless other ways. But COVID-19 is certainly not the first crisis in film exhibition, nor the only one in process locally and globally. The introduction to this special section examines the concept of crisis in the study of film exhibition and the historic and contemporary crises that have altered cinemagoing practice. It argues that these crises open opportunities for scholars to analyze a broad array of social, political, and industrial impacts that influence film exhibition and related areas of cultural and creative practice across time and space, introducing new research that employs this analytical lens.