Este trabalho expande o gênero literário zuihitsu, apresentando o corpo como suporte e linguagem de uma escrita de passagem. Tal experimentação corpográfica foi registrada pela artista-pesquisadora Cassia Hosni, dando início ao processo investigativo para criação da dissertação-obra “Corpografias: incursão em pele imagem escrita pensamento”, que tematizou e problematizou o corpo do pensamento no âmbito das Poéticas Visuais

Este artigo analisa as origens históricas e conceituais da noção de autenticidade na arte ocidental, relacionando-a ao culto medieval às relíquias sagradas. Demonstra que a valorização do original e da autoria, e por consequência a reprovação das falsificações, é uma construção cultural. Por meio de exemplos notórios, evidencia-se a transposição da lógica religiosa para o campo artístico, na qual a sacralização laica do artista e da obra revela a transferência dos mecanismos de autenticação para o sistema das artes.

Este artigo propõe analisar as ações políticas e sociais adotadas em tempos pandêmicos, estabelecendo para tanto um paralelo entre epidemia da AIDS e, recentemente, a pandemia do novo coronavírus, COVID - 19. A comparação propõe um olhar significativo sobre as relações humanas e suas culturas, os órgãos governamentais e suas políticas, além das ações implementadas em momentos de caos e medo social. Ao comparar as duas crises sanitárias, o artigo identifica padrões e recorrências na sociedade e nas políticas públicas, permitindo entender como lidamos com situações urgentes, e procurando também mostrar como as medidas adotadas em cada contexto frequentemente reforçam preconceitos, promovendo ações destrutivas e, portanto, ineficazes. Nesse cenário, a imagem fotográfica tem o papel de revelar outros significados. Pois a arte, ao longo do tempo, quer fosse uma pintura do século XVI, ou fotografias do século XX, tratou, de certa forma, de registrar e refletir as realidades próprias de cada época. Com isto, concluímos que o medo do contágio, o isolamento social, a solidão dos doentes e membros da família, bem como as reflexões sobre aspectos políticos e estruturais a partir das pandemias, não ocorrem de forma idêntica em todas as épocas, mas apresentam pontos de convergência a cada epidemia.

Neste estudo, inserido no âmbito da nossa pesquisa de doutorado, buscamos respostas para um fenômeno surgido durante nossa prática artística. Ao explorarmos os sonhos noturnos como temática para a criação pictórica em aquarela, notamos que algumas obras, após finalizadas, ressurgem em nossos sonhos. Desse modo, retomam o seu lugar em nosso inconsciente na medida em que se tornam temas de novos sonhos, os quais por sua vez são tomados como referências para outras pinturas, gerando assim aquilo que, por ser de caráter potencialmente cíclico e de prolongamento indefinido, chamamos de reverberações oníricas. É sobre tais relações dialéticas entre sonho e produção artística que aqui nos debruçamos com o intuito de uma maior compreensão a seu respeito.

O artigo tem por objetivo contribuir para a reflexão acerca da violência de gênero na arte através das lentes dos direitos humanos. O estudo parte do vandalismo ocorrido dentro do ateliê de litografia do Museu da Gravura de Curitiba, que consiste no ataque à matriz litográfica da artista Mara Cunha, que continha a imagem de um homem nu do tronco aos joelhos com semântica constituída no erotismo. O problema de investigação consiste na análise sobre a obra como uma possível crítica ao patriarcado e objetificação do corpo feminino. Pensar a tentativa de destruir o trabalho da artista envolve, necessariamente, o mergulho nos aportes, teóricos e práticos, dos movimentos feministas. O artigo utilizou a revisão bibliográfica e análise da obra vandalizada como metodologia para atingir os objetivos específicos. Da pesquisa realizada, foi possível inferir que adotar a identidade de artista feminista ou artivista, como fizeram as pioneiras desse movimento, é essencial no contexto atual, onde mulheres são invisibilizadas, caladas e assassinadas. Ao interseccionar a arte e os direitos humanos, são produzidas respostas que propiciam a liberdade poética, possibilitando à artista que teve sua obra vandalizada replicar a violência sofrida.

Este artigo pretende evidenciar aproximações entre a gravura e a chamada criptoarte, sobretudo quanto à reprodutibilidade como conceito que permeia sua produção e seus desdobramentos sobre questões de legitimidade e originalidade da arte. Primeiro, contextualiza o problema da reprodutibilidade no âmbito da arte digital, que ultrapassa as discussões acerca da aura e autenticidade baseadas em Walter Benjamin (2008). A partir disso, o artigo introduz os tokens não fungíveis (NFTs), sobre os quais se fundamenta o conceito de criptoarte (QUARANTA, 2022), como resposta à reprodutibilidade desenfreada do digital, uma solução contemporânea para a certificação de obras, com seus impactos socioeconômicos e artísticos. Em seguida, adota-se a gravura como modelo histórico, com ênfase sobre seus aspectos fundamentais como mecanismos que certificam a autenticidade da obra reprodutível. A análise comparativa entre criptoarte e gravura encontra paralelos entre ambas as modalidades que, contudo, indicam que os conceitos de reprodutibilidade técnica e de aura como propostos por Benjamin não se ajustam plenamente às circunstâncias da criptoarte ou da arte digital de modo mais amplo. Nesse sentido, sugere-se a sua atualização orientada pelo conceito de reprodutibilidade digital de Douglas Davis (1995) e as considerações sobre o caráter alográfico e performativo da arte digital, segundo Boris Groys (2008), para uma compreensão mais abrangente das dinâmicas da arte no contexto digital.

A Art&Sensorium completa 10 anos ininterruptos de publicações acadêmicas. Foi e continua sendo um processo de aprendizado que busca atender a demanda da produção teórica e prática interdisciplinar em artes, algo que sentíamos ser um nicho importante para ser explorado por pesquisadoras e pesquisadores dentro e fora do Brasil.

Ao longo dos séculos o artista foi deixando de estar apenas ao serviço da encomenda, e a aura religiosa foi sendo removida. Por outro lado, é a Melancolia enquanto humor e marca da intelectualidade, mas também da excentricidade e sensibilidade que vai do final do Renascimento até pelo menos ao modernismo contribuir para manter essa imagem do artista como génio melancólico.

Ao nos aproximarmos de pintura de Leonor Botteri, entramos em um mundo que não se revela de imediato, um mundo que nos solicita e nos perturba. É uma linguagem que emerge do silêncio, ascética, imagens que falam da espera, do presságio. Esse ensaio busca o mistério gestado no imbricamento entre concentração e dispersão, uma obra nunca concluída, entreaberta, instalada no limiar do ser, revelando verdades mais profundas, tecida da intimidade, metafísica. Suas naturezas-mortas são silenciosas, não há gritos, mas sussurros, sons articulados e inarticulados. Os autorretratos São uma conversa com a intimidade, um gênero bastante apropriado a uma alma recatada, que não se sente à vontade na ação. Botteri descreve os olhos que perderam o desejo de olhar. Há qualquer coisa de abandono, lassidão, de cansaço ou fastio nos olhos dos personagens da artista. Aproxima-se de De Chirico. Em ambos, as figuras são feitas de silêncio, solidão, isolamento, abandono, sombras da existência. Inumanas, estranhas, quase manequins, abandonadas em atmosferas desertas propícias a enigmas. Ou ao desolamento das nostálgicas figuras de Hopper. Na indiferença pintada por Leonor Botteri, não se fica indiferente.

El ensayo desarrolla la conjetura según la cual la utilización de la idea de “perspectiva” en la obra de Leonardo Da Vinci es una de las epistemes por las cuales aún podemos considerar nuestra modernidad. En el dispositivo científico y artístico de la obra de Leonardo Da Vinci es clave la utilización de la perspectiva, para su obra como también para el abordaje del conocimiento, la investigación y el arte de su tiempo. Precisamente, por haber inaugurado el Renacimiento no sólo el horizonte de la ciencia empírica moderna sino también su apropiación del legado cultural desde una mirada antropocéntrica y humanista, quizás por ello la modernidad aún mantiene plena vigencia en nuestra época, especialmente por la vigencia de la perspectiva en el arte contemporáneo de la imagen.