El presente artículo se propone abordar la naturaleza que ha definido la masculinidad femenina, así como las diversas morfologías que esta ha manifestado en el arte contemporáneo español. El análisis pone el acento en el carácter performativo, inestable y voluble de la construcción identitaria, en diálogo con las teorías deconstructivistas posmodernas desarrolladas por Butler, Halberstam, Kosofsky Sedgwick, Preciado, Haraway o Braidotti, entre otras. En este marco, se examinan distintas propuestas artísticas que transitan entre la concepción del género inscrita en el hábito, su manifestación en el ámbito de las acciones y su proyección en el universo prostético. Tales estrategias no solo desmontan las categorías normativas del género, sino que, simultáneamente, hacen visibles sus propias dimensiones como práctica de suplantación. En todas ellas se reconocen, asimismo, recursos recurrentes como la hipérbole, la parodia y el simulacro, herramientas que articulan metodologías disidentes frente al monolítico constructo ontológico racionalista heteropatriarcal. Nos referimos a obras que transitan de lo plástico a lo encorporeizado y que han contribuido a visibilizar e ilustrar realidades, al tiempo que configuran y urden nuevos presentes.

Este artículo traza un breve recorrido del concepto práctica artística como investigación en el contexto europeo, partiendo de autores que abren una estela que defiende y corrobora que el análisis de la propia obra artística puede ser científico, que tiene valor como investigación y fuente de conocimiento. Dichos teóricos trascienden la utilización de las artes como método de estudio, reivindicando el derecho de los artistas a contribuir al saber, práctico y no práctico, con la misma legitimidad que la investigación tradicional, monopolizada durante siglos por filósofos, historiadores del arte, filólogos, críticos o comisarios de arte. En estas páginas, describo la transformación de la mirada sobre la obra de arte que propone la práctica artística como investigación, estimulando a las nuevas generaciones de artistas a trabajar bajo el paradigma de libertad creativa; un arte implicado en la sociedad, la historia y la política, que deja de ser representacional para transformarse en autocrítico, en un proceso abierto de reflexión y exploración que nunca se acaba. De ahí no solo es relevante el resultado final de la obra o un concepto artístico, sino por la observación de los propios procesos, que conllevan tanto un mayor desarrollo académico como el avance de proyectos que beneficien a la sociedad en su conjunto, trabajando por el cambio individual y colectivo.

Durante 2020 y 2021 asistimos al boom de un nuevo mercado artístico de la mano de los de NFTs (Non Fungible Tokens), con ventas millonarias, así como la aparición de un enorme número de plataformas y un debate mediático en torno al arte digital nunca antes visto. Este estudio trata de analizar la situación de las imágenes y los creadores asociados a la nueva tecnología blockchain. Para ello se pretende retomar y adaptar a la situación cultural y artística actual las ideas de Byung Chul Han sobre la sociedad del cansancio y la sociedad de la transparencia. El objetivo final es aclarar si el llamado como cryptoarte es la consecuencia cultural de las características de ese tipo de sociedad radiografíada por Han. Si así fuera, podría hablarse de un tipo de arte como reflejo de la propia aceleración y automatización de los procesos de producción, distribución y consumo de bienes. También de la conformación de una “estética del cansancio” derivada en gran parte del hiperempleo sufrido por los creativos y por la inflación de la imagen mediática y artística. En las nuevas circunstancias ultraliberales de la cultura, las obras de arte terminan por reducir su impacto a lo económico, convertidas en activo financiero de rápida digestión y que conlleva la anulación de toda posibilidad de una experiencia estética pausada, reflexiva y/o crítica.

Este trabajo estudia la exposición de fotografía científica titulada “El Ojo de la Ballena”, íntegramente adaptada a personas con discapacidad visual, que tuvo lugar entre los días 10 y 21 de febrero de 2020 en Bilbao. El objetivo principal de este trabajo consiste en analizar si un novedoso estudio sobre el ojo de una ballena, es un elemento llamativo para lograr atraer a un público no experto a una exposición científica, al tratarse de una temática muy específica como es la anatomía ocular, el funcionamiento de la retina y la patología de Glaucoma. Para ello, se han analizado los resultados de las encuestas que los visitantes contestaron al final del recorrido. También se ha estudiado cómo pudo influir en la asistencia el nivel de estudios, el medio por el que los visitantes conocieron la exposición y el hecho de que estuviera totalmente adaptada a personas con discapacidad visual. Por último, se han realizado dos análisis de contenido para evaluar el objetivo pedagógico y el impacto de la exposición.

La ensenanza de la pintura como disciplina docente en la cultura occidental se produjo por primera vez en el norte del Peloponeso, en las ciudades de Sicion y Corinto. Este hecho supone una rareza en el contexto pedagogico y educativo en la cultura griega. La pintura –a partir de la docencia de los pintores de Sicion- fue considerada una materia perteneciente al grupo de las ensenanzas liberales, que permitia a los estudiantes una educacion artistica y estetica intergal. Esta nueva situacion social de la pintura era de gran relevancia en el ambito cultural de Grecia en los siglos V-IV a.C. Como podemos leer en los testimonios escritos de Platon, Aristoteles, Plinio el Viejo o Plutarco, el panorama educativo y docente en la cultura griega cambio a partir del siglo IV a.C. gracias a las aportaciones teoricas de los maestros de Sicion. El objetivo principal de este trabajo es contribuir al debate sobre el origen, el desarrollo y aceptacion de la pintura como disciplina cientifica capaz de transimitir conocimiento en la educacion estetica de la antigua Grecia.

Aznar Almazan, Yayo (2013) Insensatos. Sobre la representacion de la locura . Murcia, Editorial Micromegas.

El término imaginal se ha utilizado en ámbitos tan dispares como la filosofía, la psicología o la biología. El tránsito por los diferentes usos de este término, nos invita a afrontar la idea desde el arte, de que el ser existe gracias a la articulación de dos vías: la de los genes y el programa genético por un lado; la de los memes y el programa imagético por otro. Idea que nos situará con lo imaginal en el nivel de la membrana/espejo, y que reproducir y representar son coincidentes; que ecología y gnoseología forman parte de la existencia del (o de la) imago.