Este artículo trata sobre tres intervenciones artísticas de los años setenta en las cuales se emplean canales de comunicación o de consumo, controlados por regímenes autoritarios, para lanzar mensajes subversivos que invitan al pensamiento crítico. Se realiza un análisis comparativo de estos tres casos de estudio, alejados geográficamente, pero que comparten el contexto de represión proveniente de una dictadura militar, tanto en Brasil como en España: Inserções em circuitos ideológicos de Cildo Meireles (1970), Anunciamos de Grup de Treball (1973) y Revista classificada de Equipe Bruscky & Santiago (1978). Un estudio de las obras desde su materialidad nos permite identificar las estrategias utilizadas y sus espacios de actuación, examinando su tentativa de comunicar con un público nuevo, a partir de su introducción dentro de un circuito preexistente. A través de estas acciones, se explora cómo una intervención artística que opera al interior de elementos o estructuras de la vida cotidiana, como pueden ser productos de consumo o medios de comunicación de masas, permite crear narrativas de resistencia frente a una situación socio-política compleja.

Los Hermanos Gao (Gao Brothers), Gao Zhen (n. 1956) y Gao Qiang (n. 1962), son dos de los artistas contemporáneos chinos más influyentes, conocidos por su práctica artística crítica y comprometida con la sociedad. Su obra abarca la escultura, la instalación, la fotografía y la performance, desafiando constantemente los límites impuestos por la censura y explorando temas como el poder, la memoria y la identidad. Su serie Miss Mao, que reinterpreta de manera satírica la figura de Mao Zedong, y la instalación The Execution of Christ, que rememora la violencia política, son ejemplos de su enfoque provocador. En esta entrevista, Gao Qiang reflexiona sobre las dificultades de crear arte en un entorno represivo, el papel de la censura en la producción artística y el impacto del reciente arresto de su hermano, Gao Zhen. Más allá de la censura como un mecanismo de control, la conversación aborda el arte como un acto de comunicación, una forma de interpelar la memoria colectiva y generar diálogo en contextos donde la expresión se encuentra restringida. Esta entrevista no busca promover una postura ideológica específica, sino explorar cómo el arte opera como espacio de resistencia, testimonio y transmisión de significados, desafiando las fronteras y ampliando su función más allá de lo meramente estético.

In this article we analyse the concept of performance for Diana Taylor, which she considers as an epistemic and methodological lens to study cultural practices in which the body is the main means of transmission and transfer of knowledge, knowledges, affections, identity and social memory, resignifying and reusing the past intermingled with the present and the collective. In such a way that performance does not exist if it is not through a body, through a subject that elaborates a discourse, a history, a narrative, of what surrounds it in its socio-cultural context, and of what it finds in its deepest interior, which, in turn, is a political act. We conclude that Taylor offers a notion of performance that offers both the materialisation of the creative process, as well as a potential for subversion, by activating at the intersection between aesthetics and activism. It deals with behaviours and practices that cut across gender, ethnicity, citizenship, as well as acts of resistance and disobedience, activities that are daily reproduced and rehearsed in the public sphere. En este artículo analizamos el concepto de performance para Diana Taylor, que considera como una lente epistémica y metodológica para estudiar prácticas culturales en las que el cuerpo es el medio principal de transmisión y transferencia de conocimientos, saberes, afectos, identidad y memoria social, resignificando y reutilizando el pasado entremezclado con el presente y lo colectivo. De tal manera que la performance no existe si no es a través de un cuerpo, de un sujeto que elabora un discurso, una historia, una narrativa, de lo que le rodea en su contexto sociocultural, y de lo que encuentra en su interior más profundo, lo cual, a su vez, es un acto político. Concluimos que Taylor ofrece una noción de performance que ofrece tanto la materialización del proceso creativo, como un potencial de subversión, al activarse en la intersección entre estética y activismo. Trata de conductas y prácticas que atraviesan el género, la etnicidad, la ciudadanía, así como actos de resistencia y desobediencia, actividades que diariamente son reproducidas y ensayadas en la esfera pública.

The communicative dimension in artistic practice, which enables a space for dialogue that activates processes of interpretation, reflection, and social participation, finds an ideal context in speculative art. Through fictional narratives, prototypes, and simulations linked to technology, it encourages the public to confront the improbable, awakening their critical capacity in relation to reality. In a context marked by scientific and technological advances, human reproduction becomes an area of investigation for speculative art. Therefore, the purpose of this work is to analyze the works of women artists within the speculative realm who address human reproduction. The main result reveals shared narratives that refer to genetic modification, the mechanization of the gestation process through artificial wombs, shared parenting based on economic factors, the instrumentalization of the female body, and the hybridization between humans and animals. From the perspective of women’s experiences, these works invite reflection on the future, challenging traditional concepts of gender, identity, motherhood, family, and the relationships between the natural and the artificial. They propose new scenarios dominated by modification, intervention, and control, prompting the public to question the ethical, social, economic, and political implications of scientific and technological intervention in human reproduction. En un contexto marcado por los avances científicos y tecnológicos, la reproducción humana deviene en un área de investigación para el arte especulativo. Por ello, el propósito de este trabajo consiste en analizar obras de mujeres artistas enmarcadas dentro del ámbito especulativo que abordan la reproducción humana. Las principales narrativas representadas se refieren a la modificación genética, la mecanización del proceso de gestación mediante úteros artificiales, la crianza compartida fundamentada en factores económicos, la instrumentalización del cuerpo femenino y la hibridación entre lo humano y animal. Desde la experiencia de las mujeres, estas obras invitan a reflexionar acerca del futuro, desafiando conceptos tradicionales sobre el género, la identidad, la maternidad, la familia y las relaciones entre lo natural y lo artificial. Plantean nuevos escenarios dominados por la modificación, la intervención y el control, que invitan a la audiencia a cuestionar las implicaciones éticas, sociales, económicas y políticas de la intervención científico-tecnológica en la reproducción humana.

The following essay focuses on the digital realm to discuss labor in the New Economy, investigating how subjectivity is simultaneously shaped and exploited through technology and its surveillance mechanisms. To do so, I reconsider Hito Steyerl’s work Strike (2010) as a call to subvert the biopolitical power of information technologies. My analysis of Steyerl’s piece seeks to reveal the social and material implications of technology, the unpaid labor that underpins the Internet, and the system of domination exercised by surveillance capitalism, which profits from data traffic and behavior modification. Against this, I suggest that Strike (2010) proposes a reappropriation of the machine as a form of resistance. Steyerl’s video serves as a starting point to trace interventionist artistic practices that, through tactical means and hacking, have been able to reverse the surveillance mechanisms of the network, revealing their potential as gestures of dissidence within an increasingly computerized art world. El siguiente ensayo se centra en el ámbito digital para examinar el modelo de trabajo en la Nueva Economía, investigando cómo la tecnología y sus mecanismos de vigilancia generan y explotan subjetividad. Para ello, reconsidero la obra de Hito Steyerl Strike (2010) como una llamada a subvertir el poder biopolítico de las tecnologías de la información. Mi análisis de la obra de Steyerl busca desvelar las implicaciones sociales y materiales de lo tecnológico, el trabajo no remunerado que sustenta Internet y el sistema de dominación ejercido por el capitalismo de la vigilancia, que se lucra con el tráfico de datos y la modificación de la conducta. Frente a esto, sostengo que Strike (2010) propone una reapropiación de la máquina como forma de huelga. Así, la pieza de vídeo de Steyerl sirve como punto de partida para rastrear prácticas artísticas intervencionistas que, a través del tactical media y el hacking, tratan de invertir los mecanismos de vigilancia de la red, revelando su potencial como gestos de disidencia dentro de un mundo del arte cada vez más informatizado.

On many occasions, Environmental Art involves a series of practices of resistance to the hegemonic behaviours that cause profound environmental damage: pollution, global warming, loss of biodiversity, etc. In order to lay down the characteristic principles of this artistic current and to contribute to putting an end to the widespread confusion and ambiguities generated in this respect, the updated meaning of the term will be proposed and a typology will be offered to classify both its pioneering and recent works. To this end, a systematic review of definitions and associated typologies was carried out, in addition to a collection and analysis of artistic works. Finally, a reversal of the traditional model is suggested in order to clarify the objectives and favour the development and success of this artistic trend, which is increasingly present and committed. The materialisation of sustainable claims and alternatives in the works shows and warns of hidden damage; it raises new territories and possible scenarios for an improvement of the climatic situation in the Anthropocene; it makes the conflict visible, allowing the public to become aware of ecological issues; it responds to a climate of discontent, by raising sensitive expressions for criticism and promoting attitudes of resistance. En muchas ocasiones, el Arte Ambiental conlleva una serie de prácticas de resistencia ante las conductas hegemónicas que originan un profundo perjuicio medioambiental: contaminación, calentamiento global, pérdida de biodiversidad... Con ánimo de asentar los principios característicos de esta corriente artística y de contribuir a acabar con las extendidas confusiones y ambigüedades generadas a su respecto, se propondrá el sentido actualizado de su término y se ofrecerá una tipología que permita clasificar tanto sus obras pioneras como recientes. Para ello, se realizó una revisión sistemática de las definiciones y tipologías asociadas, además de una recolección y análisis de obras artísticas. Por último, se sugiere una inversión del modelo tradicional que permita esclarecer los objetivos y favorecer el desarrollo y éxito de dicha tendencia artística, cada vez más presente y comprometida. La materialización de reclamos y alternativas sostenibles en las obras muestra y advierte daños ocultos; plantea nuevos territorios y escenarios posibles para una mejora de la situación climática en el Antropoceno; visibiliza el conflicto permitiendo la concienciación del público en materia ecológica; atiende a un clima de descontento planteando expresiones sensibles para la crítica y promoviendo actitudes de resistencia.

The hypothesis of this paper is to demonstrate the motivation of LGBT+ art to transform society, so we focus on the social contributions, policies and culture of the selected artists. We take as its axis the exposed art in the permanent collection of MUSEARI, Museum of the Imagine. We visit this online museum, focusing only on the six authors related to the comic and the picture book that have been exhibited to date. We discuss with Sara Colaone, Sebas Martín, Juan Sepúlveda, Nazario Luque, Laerte Coutinho and Victoria Rubio. Six projects of MUSEARI for meeting first hand, their visual narratives, their personal and artistic contributions, to art and life. Art it’s a social reflex, it promotes reflection, it influences and brings about changes in society. The art that emanates from activism LGTBIQ+ is made up of committed people, and their motivation is essential to stimulate changes in different orders. La hipótesis de este trabajo es demostrar la motivación del arte LGTBIQ+ para transformar la sociedad, y para ello nos centramos en las aportaciones sociales, políticas y culturales de los ilustradores e ilustradoras seleccionadas. Tomamos como eje al arte expuesto en la colección permanente de MUSEARI, Museu de l’Imaginari. Visitamos este museo online, centrándonos únicamente en los seis autores relacionados con el cómic y el álbum ilustrado que han expuesto hasta la fecha. Conversamos con Sara Colaone, Sebas Martín, Juan Sepúlveda, Nazario Luque, Laerte Coutinho y Victoria Rubio. Seis proyectos de MUSEARI para conocer de primera mano sus narrativas visuales, sus motivaciones personales y artísticas, a favor del arte y de la vida. El arte es el reflejo social, promueve la reflexión, influye y provoca cambios en la sociedad. El arte que emana del activismo LGTBIQ+ está formado por personas comprometidas, y su motivación resulta imprescindible para estimular cambios en diferentes órdenes.

Due to the unequal distribution of caregiving tasks, which still exists today, motherhood can be an obstacle to the professional development of many women artists. However, given the right conditions, this is not an insurmountable challenge, and in fact there are renowned artists who are also mothers. In this article, two of them, Marlene Dumas and Jenny Saville, are taken as case studies. Both are critical of previous interpretations of motherhood, due to its excessive sentimentality and idealization, and they seek to reinterpret this topic from their personal experience. We analyse the way in which both approach the subject, what contributions they make to previous versions and to what extent having children influences their artistic creation. In both cases, the experience of motherhood inspires a part of their artworks at a certain moment, even opening a new stylistic line in Saville’s work, but it does not define them as artists, since their production is not limited to this aspect. La maternidad puede suponer, debido al todavía desigual reparto de las tareas del cuidado, un obstáculo para el desarrollo profesional de muchas mujeres artistas. Pero, dadas las condiciones adecuadas, no se trata de un obstáculo insalvable, y de hecho existen artistas de reconocido prestigio que también son madres. En este artículo se toma como casos de estudio dos de ellas, Marlene Dumas y Jenny Saville. Ambas se muestran críticas con interpretaciones previas del tema de la maternidad, por su excesivo sentimentalismo e idealización, y pretenden reinterpretarlo desde su experiencia personal. Se analiza la forma en que ambas abordan el tema, qué aportaciones realizan sobre versiones previas y en qué medida influye el hecho de tener hijos en su creación artística. En ambos casos, la experiencia de la maternidad inspira una parte de su actividad artística en una época determinada, abriendo incluso una nueva línea estilística en el caso de Saville, pero sin que podamos decir que las defina como artistas, ya que su producción no se limita a este aspecto.

In this article we want to make known the creative and organizational process of activist art of Latin American women in whose experimental projects textile materials and techniques would be protagonists as a means of showing society their insubordination to the power of patriarchy and social injustice. These women who silently embroider in the streets the names of their murdered companions, who collect the garments of those disappeared migrants who plot fictions from the creative in search of their interiority, would focus our attention through these maternal textiles as emotional symbols impregnated by the energy of the new contemporary martyrs that are made visible through their artistic actions and the community of volunteers committed to these projects. They, like the great goddesses, would carry the cloak, the veil and in their hands the thread, the spindle and the distaff, thus presiding over the birth of forms, the passing of time and the fertile power of the goddess as a symbol of creation and of social transformation. En este artículo queremos dar a conocer el proceso creativo y organizativo del arte activista de las mujeres latinoamericanas en cuyos proyectos experimentales serían protagonistas los materiales y técnicas textiles como medio de mostrar a la sociedad su insumisión ante el poder del patriarcado y la injusticia social. Estas mujeres que bordan en silencio en las calles los nombres de sus compañeras asesinadas, que recogen las prendas de aquellos migrantes desaparecidos que traman ficciones desde lo creativo en busca de su interioridad, focalizarían nuestra atención a través de estos textiles maternos como símbolos emotivos impregnados por la energía de los nuevos mártires contemporáneos que se hacen visibles a través de sus acciones artísticas y la comunidad de voluntarias comprometidas con estos proyectos. Ellas al igual que las grandes diosas portarían el manto, el velo y en sus manos el hilo, el huso y la rueca presidiendo así el nacimiento de las formas, el devenir del tiempo y el poder fecundo de la diosa como símbolo de creación y de transformación social.

The Director Plan of Art District - Soho Malaga (2011-2014) is an example of the assisted transformation of the neighborhood of Ensanche Heredia by the public administration of Malaga City Hall. The Ensanche’s conversion into Art District helped as a tool to create a city branding associated with the touristic and cultural consumption, stimulating by doing so themed public spaces and privatization process. With these cultural promotion policies, and by following the logics of creative industries, Malaga intends to put itself globally on the competitive map of touristic cities, fundamentally by urban interventions with a special focus on the productive role of the city’s culture. This way, the borough, advertised as a city of museums, with the production of Soho contributed to promoting the gentrification process that the center suffers, in which culture, understood as a strategic asset commodity, has a key role. El Plan Director del Barrio de las Artes - Soho Málaga (2011-2014) supuso un ejemplo de transformación asistida del barrio del Ensanche Heredia por parte de la gestión pública del Ayuntamiento de Málaga. Esta conversión del Ensanche en barrio de las artes contribuyó a la creación de una marca de ciudad ligada al consumo turístico y cultural, estimulándose de esta manera procesos de tematización y privatización del espacio público. Con estas políticas de promoción de la cultura, y siguiendo las premisas de la industria creativa, Málaga busca posicionarse globalmente en el mapa competitivo de las ciudades turísticas, principalmente por medio de intervenciones urbanas que priman el rol productivo de la cultura en la ciudad. De esta manera, la administración municipal, publicitándose como ciudad de los museos, terminó contribuyendo con la producción del Soho a los procesos de gentrificación que sufre el centro, en los que la cultura, entendida como un activo estratégico de mercado, toma un rol principal.