Who is Barbara Hannigan, as a singer, performer, conductor, mentor, and community-involved musician? What is the impact of her personality on the music scene? How has her artistic character evolved throughout her formative and professional years? With these questions in mind, I interviewed five of Hannigan’s closest, and most important collaborators and mentors: Hans Abrahamsen, George Benjamin, Gary Kulesha, Mary Morrison and Thomas Morris. Individually, the interviews shed light on specific phases and events in Hannigan’s career, from her undergraduate studies to the present. Taken as a whole, they open the door to understanding Barbara Hannigan as a complete—and completely fearless—artist.

Le trésor de la langue (1989) est une oeuvre unique en son genre. Sorte de « road movie » sonore, elle explore les dimensions politique, historique et poétique de la langue française parlée au Québec. En rapprochant des matériaux hétérogènes grâce à la technique du collage sonore, René Lussier propose une écoute critique de l’histoire du Québec. Cet entretien retrace la genèse du Trésor de la langue ainsi que certains des enjeux éthiques et politiques de l’utilisation d’archives sonores et d’enregistrements de terrain présents dans cette oeuvre. Il témoigne de la capacité de la musique à investir l’histoire récente afin de répondre à des interrogations communes, au-delà des dits et des non-dits de la mémoire collective et de l’histoire officielle.

MS. J.II.9 (also known as the “Cyprus Codex”) is an anonymous Codex composed in the court of Nicosia in the first part of the 15th century during Cyprus’s Frankish period and the Lusignan Dynasty. It is the only known Codex of Western music in the region and one of the few exclusively French codices known from that time. Its style lies in the threshold between Ars Nova and Ars Subtilior with unique features. Composer Evis Sammoutis, violinist Peter Sheppard Skaerved and Music technology professor Timothy Hsu have built a collaboration inspired by the legacy of MS. J.II.9. This resulted in the creation of new bows and techniques of performing the violin and the creation of new compositions based both on the material from MS. J.II.9 and technological advancements.

S’appuyant sur la collaboration l’ayant mené à écrire trois livrets pour José Evangelista, l’auteur réfléchit sur le rapport du musicien à la littérature, au langage, à la structure narrative et à la tradition. À cette fin, le duende, tel qu’il a été théorisé par Lorca, lui sert d’emblème herméneutique, non par réduction régionaliste, mais en tant que principe esthétique affirmant le corps et le combat. Affirmation également d’une liberté créatrice qui, pour José Evangelista, est aussi liberté humaine.

Pour mesurer l’apport de Maryvonne Kendergi à la smcq, il est nécessaire de survoler sa carrière québécoise en s’appuyant sur la solide formation universitaire et professionnelle que lui dispensèrent les institutions parisiennes (1929-1952). De passage à Montréal, elle est retenue par Radio-Canada pour sa voix exceptionnelle et commence, en septembre 1956, une brillante carrière radiophonique de promotrice de la musique contemporaine. Graduellement, Kendergi intègre les arcanes de l’avant-garde montréalaise, grâce, entre autres, à la venue de Stockhausen à Montréal en 1958, aux projets des compositeurs dans l’organisation de la Semaine internationale de musique actuelle (1961) et dans la fondation de la smcq (1966), puis au rayonnement de celle-ci, liant ses activités à celles de l’Université de Montréal avec la mise sur pied des Musialogues (1969). Se dégage de l’article, le rôle qu’amenèrent à jouer les exceptionnelles compétences de Kendergi dans l’expansion de la smcq.

What are the risks involved in commissioning new music? Through interviews with 24 commissioners, performers, and composers based in Canada, the us, Australia, and France, we develop a model of the different types of risk encountered during the commissioning process. Despite providing the money for a commission, we found that commissioners are least exposed to financial risk as it is classically defined; commissioning fees really do behave like the philanthropic gifts they are legislated to be. Composers were likewise little exposed to financial risk, concerning themselves instead primarily with the uncertainty inherent to the creative process. We found that it is actually performers who are most exposed to financial risk, especially when they act as “middlemen” between commissioning bodies and composers. Burdened with compliance to a variety of Occupational Health and Safety laws and cash-flow issues stemming from conflicting outcomes and funding schedules, we found that performers were caught in a pincer between composers’ desires to take aesthetic risks and the obligations created by the philanthropic gift.

Homme papillon (2001) et Icare en émoi (2012) représentent deux oeuvres d’envergure dans le parcours de John Rea, compositeur que l’on associe volontiers au postmodernisme musical. En prenant pour toile de fond certains éléments clés de l’histoire du structuralisme, nous explorerons l’hypothèse selon laquelle les thèmes réaniens de l’humain et du géométrique se rejoignent au carrefour de deux idées fondatrices de la postmodernité : la « mort du sujet », à mettre en lien avec le formalisme qui sous-tend ici l’aspect géométrique, et la « mort de l’auteur », fondement paradoxal de la dialogique qui réhumanise la relation avec le lecteur – et par extension, l’auditeur – dès la fin des années 1960. Ainsi s’esquisseront les lignes d’une sorte d’humanisme postmoderne qui, sans sortir intact de la redéfinition radicale du sujet qui bouleverse la seconde moitié du xxe siècle, n’en demeure pas moins soucieux de remettre l’humain au coeur de ses préoccupations.

Édités par John Zorn, les sept volumes qui composent la série de livres Arcana nous plongent dans un univers artistique dont le centre de gravité se situe à New York, quelque part non loin du Stone, le club de Zorn où peuvent s’exprimer en toute liberté musiciens avant-gardistes de la scène locale et internationale. Pour cette enquête, nous avons passé en revue l’entité littéraire de cet univers. Ancrée dans les processus de création et pratiques interprétatives, zigzaguant entre poésie et discours plus académiques, fer de lance de la promulgation des individualités artistiques, cette collection de textes écrits par des musiciens nous montre une autre façon de parler de la musique, dans toutes ses incarnations professionnelles.

Ear to the Earth was an idea that grew out of a power failure on the coast of Maine while I was on vacation. Back in New York, and using acoustic ecology as a conceptual basis, I proposed environmental-sound events to colleagues at the Electronic Music Foundation. The first major festival took place in October 2006. Dr. Cynthia Rosenzweig, Senior Research Scientist at the NASA Goddard Space Center and leader of the Climate Impacts Group, pointed out that climate change was a fact. The first festival, which took place at various venues in New York City, included seven concerts, three panels, and seven installations, among them Suspended Sounds, using sounds of extinct, endangered, and threatened species contributed by The Macaulay Library at the Cornell University Lab of Ornithology. The festival, as a program of the Electronic Music Foundation, became an annual event every October in New York until 2013. In November 2012, we recreated it with an enlarged mission as an independent non-profit corporation in New York.

Nous vivons dans un monde qui atteint un point critique où l’équilibre complexe actuel entre un environnement sain, l’énergie dont notre société a besoin pour maintenir ou améliorer son mode de vie et les économies interdépendantes pourrait basculer plus rapidement que prévu dans une toute nouvelle réalité où le déséquilibre serait la règle et les êtres humains devraient être plus créatifs que jamais pour survivre. Les problèmes environnementaux, l’incertitude économique et la complexité politique existent depuis longtemps. Mais ce qui était différent auparavant était la vitesse et la profondeur des transformations, comparativement à la rapidité actuelle des changements. La fréquence et la gravité de certains événements météorologiques et climatiques augmentent, et la capacité des êtres humains à modifier leur environnement direct ou éloigné est devenue une puissance capable de transformer la planète entière. L’art électronique a-t-il un rôle à jouer ? Les artistes électroniques ont-ils une responsabilité dans ce contexte ? Visant à utiliser l’art électronique comme un catalyseur, dans le but d’engendrer une prise de conscience plus profonde et de créer des partenariats durables de travail intellectuel pour résoudre notre crise environnementale, trois initiatives ont été lancées : Balance-Unbalance, « art ! ⋈ climate » et EChO.