En las últimas décadas, la animación española ha dibujado un mapa de cuerpos que enferman, que cuidan o que aprenden a vivir con la fragilidad. Este artículo propone una cartografía de dichas representaciones entre 1992 y 2024, partiendo de un diseño metodológico mixto —cualitativo–cuantitativo— junto a una ficha de análisis fílmico ad hoc. El corpus lo integran 56 largometrajes, seleccionados de un total de 162 títulos identificados en la base del Instituto de Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), lo que permite observar cómo la enfermedad, la discapacidad, y la muerte se inscriben en la gramática medio. Los resultados muestran un viraje sintomático en los últimos años, que intensifica la presencia de la enfermedad como motivo. En ese desplazamiento emerge, además, una feminización relativa del protagonismo. Este trabajo sostiene que la animación opera como dispositivo cultural para pensar los imaginarios de la salud y enfermedad.

El presente artículo explora el espacio de memoria animal que emerge en el cruce entre animación de ficción y hechos históricos a partir del estudio de Balto (Simon Wells, 1995) y Stubby, un héroe muy especial (Sgt. Stubby: An American Hero, Richard Lanni, 2018). Tras una aproximación inicial a la forma en que la producción cinematográfica contemporánea se relaciona con la memoria animal, se lleva a cabo un análisis fílmico comparado de ambos largometrajes con el doble objetivo de examinar su vínculo con los hechos recreados y de evaluar la sensibilidad que muestran hacia el animal como figura con presencia histórica. Finalmente, a partir de los resultados obtenidos, las conclusiones consideran el tipo de contribución que cada film ofrece a la memoria animal e interespecie.

El presente articulo tiene como objetivo el análisis sobre los valores que trasmite la primera temporada de la serie infantil de dibujos animados Bluey (Joe Brumm, 2018). Se presenta a través de una investigación mixta que combina el enfoque cualitativo y cuantitativo. Los instrumentos utilizados son la observación y la entrevista semiestructurada. Los resultados ponen de manifiesto que, aunque la mayoría de los valores del sistema educativo están presentes, se observa una menor representación de la justicia, la tolerancia, la inclusión y la solidaridad. A pesar de sus muchos aspectos positivos con valores como disciplina y honestidad, también reproduce estereotipos y actitudes poco deseables. Una vez más se proyecta la importancia de la alfabetización mediática y se pone en valor la serie de dibujos animados Bluey como recurso didáctico y objeto de estudio.

En la última década, la animación comercial japonesa se ha visto marcada por el ascenso y éxito del isekai. Un subgénero anime cuya característica principal es transportar a sus protagonistas a mundos alternativos. Para construir esos otros mundos se percibe una clara inspiración en los videojuegos MMORPG de fantasía, puesto que dichos universos operan en lógicas similares a las del videojuego. Ahora bien, si el isekai se nutre de los MMORPG, ¿explican sus producciones en qué consisten estos videojuegos? El presente artículo examina cómo el anime Log Horizon (Touno, 2013) describe al espectador qué son, cómo operan y cuáles son las características de los MMORPG de fantasía. Además, permite observar cómo los videojuegos MMORPG se integran como recurso en la inventiva anime y sus componentes se transforman en recursos narrativos y visuales. Para ello, se analiza el contenido narrativo-visual de los 25 episodios que componen la primera temporada de Log Horizon (Ishihara, 2013-2014).

Este artículo recoge los resultados de una investigación educomunicativa, que pretende significar la presencia y tratamiento del colectivo LGBT en las series de dibujos animados infantiles, emitidas en España hasta 2023. Para ello, se analizaron más de 400 producciones y de las 32 que se seleccionaron relacionadas con el objeto de estudio se realizó un análisis de contenido con el objetivo de evaluarlas en base a cinco categorías: 1) evitar lenguaje, humor y estereotipos anti LGBT; 2) prueba de Vito Russo; 3) personajes LGBT memorables; 4) diversidad; 5) adecuación general para todas las edades. Los resultados muestran gran cantidad de personajes LGBT, pero pocos protagonistas, escasa diversidad y, en la mayoría de casos, con un mal tratamiento, donde apenas un 15% de producciones se aproxima a una representación honesta y responsable de este colectivo. No obstante, existe un aumento en los últimos años de series cada vez más inclusivas. Así, se detectan importantes hitos conseguidos en favor de la diversidad de género, pero también muchos retos todavía por cumplir, ya que la mera presencia de personajes o tramas LGBT no es suficiente para calificar a una animación como educativa para los más pequeños.

La comunicación de los trastornos mentales en la población juvenil es un reto que se presenta a las instituciones públicas y privadas debido al gran alcance que los trastornos mentales tienen entre la población juvenil (Costas-Pérez et al., 2023). Esta comunicación debe ir encaminada a concienciar a la sociedad, pero también debe servir para luchar contra estereotipos que se han enquistado en ella (López et al., 2008). El escenario actual nos plantea determinar cuáles son las herramientas necesarias para difundir mensajes conciliadores a los más jóvenes. En este estadio, nos planteamos si la animación, debido a su proceso creativo, puede posicionarse como el soporte adecuado para conseguir los dos objetivos marcados: concienciar para desestigmatizar. Siguiendo la teoría de González-Pacanowski y Medina-Aguerrebere (2009); Okan et al., (2016) y Vivas (2021) que aseguran que los recursos visuales y gráficos pueden mejorar la comprensión de este tipo de información al simplificar mensajes complejos, realizaremos un estudio de los cortometrajes de animación What’s Up With Everyone? (Aardman, 2021), con el objetivo de determinar cómo se construye el discurso narrativo y cómo los elementos audiovisuales son clave para conseguir comprender y empatizar con las personas que sufren de trastornos mentales. El análisis de estos cinco cortometrajes de animación nos permite afirmar que la animación logra, gracias a la creatividad y a la creación de universos imaginarios, conectar con la audiencia mediante la empatía, un requisito básico para despertar conciencias.

Este artículo explora y expande el principio de superposición y continuación del movimiento, con el objetivo de proporcionar un enfoque más aplicable y completo a través de la organización y ampliación de sus atributos fundamentales, estableciendo así una base sólida para la investigación. El nuevo enfoque relaciona los elementos esqueléticos, masas secundarias y apéndices con los tres niveles de acción y aborda el aspecto relacionado con la estilización del movimiento. En busca de una metodología más efectiva, se propone un método gráfico que permite analizar y comparar el nivel de estilización de los atributos y nuevos conceptos presentes en este principio. Para comprobar la funcionalidad de esta propuesta, se aplica sobre dos casos prácticos, en los que se consiguen representar y analizar las principales propiedades existentes en las acciones animadas.

Este artículo analiza la película Sueños de Tay Pi (1951), dirigida por Franz Winterstein para la productora Balet y Blay, a raíz de la reciente proyección de una copia conservada en Filmoteca Española. Comparando esta versión con dos documentos inéditos como el tratamiento original y el guion técnico de Winterstein podemos valorar las diferencias entre versiones y las intenciones personales del autor, que se encontró con numerosas dificultades de producción. También comprobaremos que la película sí tuvo una distribución comercial, contrariamente a lo que se pensaba. Todo ello nos permite reconsiderar una obra insólita que a pesar de los problemas referidos intentó abrir caminos nuevos en el cine de animación español, con una propuesta arriesgada y moderna.

Este artículo examina la serie de animación (Des)encanto, de Matt Groening para Netflix en 2018, realizando su análisis cultural a partir del modelo cultural establecido para la generación milénica en la tesis doctoral de Carolina Delamorclaz (Universidad de Castilla-La Mancha, 2020). El acercamiento teórico a este producto permite percibir la complejidad del mundo contemporáneo, en cuanto a la otredad, el racismo, los debates sobre el género, el sexo y la deconstrucción de los metarrelatos, como lo son los cuentos de hadas.

Jeremy Blake (1991-2007) fue un artista conocido por sus “pinturas en movimiento”. Se trata de animaciones digitales compuestas por elementos de inspiración onírica y abstracta, un collage de imágenes donde el espectador descubre pintura digital, dibujo, fotografía o vídeo. Esta investigación desarrolla cómo era el flujo que el autor utilizaba para conseguir esa animación tan característica de su obra. En segundo lugar, se estudia una de sus piezas menos conocidas, Round the Bend, video comisionado por el músico norteamericano Beck, para clasificarla dentro del conjunto de animaciones realizadas por el artista y comprobar si puede ser catalogada como una pieza de música visual.