The present article examines the use and functions of spolia within the architecture of Moissac Abbey, France, during the late 11th and 12th centuries. The overarching goal of the text is to delve into the question of how the medieval monastery rewrote, reused, and reproduced the antique past through various media. It explores how the practice of spoliation contributed to the monastery’s establishment as both a sacred space and a strong political and cultural center. The spoliated elements are further anchored and interpreted within their particular material context as bearers of iconological significance that may contribute to our understanding of the iconography of the abbey’s sculptural decoration. Moreover, based on visual comparisons from across the region, it is argued that Moissac actively participated in the creation of an extensive sacred ecosystem interconnected by the constantly reminiscent memory of the ancient past, which is maintained and extended by the movement of human bodies.

This article reflects on how the transformation of natural sites into cultural spaces was perceived in medieval Armenia, as analysed in The History of the State of Sisakan, written by the bishop and historian Stepanos Orbelian (c. 1250–1304). Orbelian's text opens with the familiar theme of a natural environment being transformed from a desert into a paradise, and describes how monastic colonisation turned a wild landscape into a prosperous cultural and fertile place. Art and culture are presented as instruments that bring the environment closer to God's will: thanks to the monastic presence, the region was protected from floods and bad weather. However, human action cannot be seen as positive alone: various invasions by foreign forces should be seen as elements of rupture, damaging nature and culture in order to satisfy diabolical greed. By analysing textual data and architectural heritage, this text explores some of the questions raised within Ecocritical Art History, attempting to understand the issue of the 'exploitation' of natural sites in the past.

This paper investigates the visual representations—or the marked absence—of Hagar, Bilhah, and Zilpah, three enslaved women in the Book of Genesis, within seventeenth-century Mediterranean painting. Drawing on feminist biblical criticism, art historical analysis, and visual exegesis, it explores how artists in Catholic regions such as Italy and Spain engaged with the iconography of these biblical figures. The study considers how artworks either reproduce or challenge the patriarchal ideologies embedded in Scripture and reflected in early modern theology and culture. Through the analysis of selected paintings, it reveals how silence, abjection, and guilt were visually encoded into the stories of these women, shaping their reception across time. It also contrasts Catholic visual traditions with Dutch Protestant interpretations, illuminating the theological and cultural dynamics at play. The research shows how artistic strategies—such as composition, gesture, and emotion—contributed to the marginalization or subversion of these figures. Ultimately, the paper argues that early modern art participated in the ideological work of biblical interpretation, acting as both a mirror and a critique of patriarchal structures. In doing so, it contributes to broader debates at the intersection of gender, religion, and visual culture, and expands the discourse on how enslaved and silenced biblical women are negotiated through image.

Este texto pretende establecer un vínculo entre los géneros de los libros de medallas y los libros de emblemas, ambos fenómenos originados en el Renacimiento, teniendo en cuenta su función como fuentes iconográficas y atendiendo a sus paralelismos y divergencias. Ambos géneros textuales y visuales han sido estudiados de manera independiente; sin embargo, hemos considerado revisar el paralelismo entre ellos. Las similitudes incluyen elementos formales, así como su propósito educativo, la admiración por la Antigüedad y el uso de personajes mitológicos. La principal diferencia radica en que, mientras la medallística se centra en la biografía de personajes históricos o mitológicos modélicos, con ilustraciones imitando monedas antiguas, la emblemática permite una mayor amplitud temática y expresión gráfica. Por otro lado, desarrollamos una comparativa cronológica y advertimos que el interés por las medallas se inicia en pleno siglo XV y su obra clave, Illustrium imagines de Andrea Fulvio, se publica en fechas tempranas, en 1517, periodo que coincidiría con la fase llamada “pre-emblemática” o “proto-emblemática”. Durante la primera mitad del XVI, la medallística vive su época de mayor apogeo y se adelanta a la publicación de Alciato (1531); sin embargo, la emblemática termina imponiendo su composición y disposición a los libros de medallas.

La presente investigación analiza la imagen de un fotograma de la película The Belly of an Architect de Peter Greenaway a la luz de su interpretación de Étienne-Louis Boullée, centrando la atención en la complejidad inherente de la creación artística y la idea de la figura del arquitecto. De entre los diversos niveles posibles de lectura, esta investigación aborda los aspectos de la alegoría y personificación de los conceptos que representan la arquitectura boulleana a través del personaje principal, Stourley Kracklite, considerando que éste se contempla a sí mismo como heredero de Boullée, debido a lo cual se apropia del pensamiento, dibujos y proyectos de este arquitecto. El análisis hace visible la noción estética de Greenaway respecto al retrato abstracto de Boullée representado mediante la relación conceptual entre el proyecto boulleano del Cénotaphe à Newton, el tratado Architecture. Essai sur l’Art, los monumentos de la Antigüedad y la pintura del Renacimiento italiano, retomados en el fotograma de la película para establecer la identidad de Boullée y ofrecer una perspectiva de su arquitectura y sus fuentes.

La condición digital ha modificado no solo el estatuto de la creación fotográfica sino también el de aquellas fotografías previas a su llegada que, con fines de preservación o archivo, se han visto sometidas a digitalización. Entre otras consecuencias derivadas, la conversión de estas fotografías en meras imágenes ha comportado la obliteración de ciertos rasgos materiales, como las marcas e inscripciones al dorso, de especial importancia para su adecuada caracterización. Tomando como caso paradigmático la producción amateur del contingente alemán en la Segunda Guerra Mundial, la investigación plantea cómo el estudio de estos signos físicos permite no solo contextualizar y datar las fotografías sino obtener informaciones acerca de su intención original, su valor de uso o las circunstancias concurrentes en su circulación, aspectos todos ellos de enorme relevancia en este caso particular. A fin de ensayar la pertinencia de este tipo de análisis, el artículo analiza de manera directa un corpus de fotografías originales e inéditas hasta la fecha y fija su atención en ciertas tipologías particularmente significativas.

Los elementos heráldicos son una fuente muy importante para la identificación y datación de documentos oficiales, como las monedas o los sellos, o bien de piezas artísticas, ya sean sepulcros, monumentos, mobiliario, ropas, etc. Pero a veces tenemos problemas de identificación que requieren un estudio más preciso, como ocurre en el caso del bordado heráldico atribuido a María de Padilla que se encuentra en el Museo Textil de Tarrasa y cuyo origen está en el monasterio de Santa Clara de Astudillo. En este trabajo vamos a poner en duda las identificaciones tradicionales de los escudos que aparecen en él y vamos a proponer nuevas atribuciones mediante estudios de heráldica comparada

Like the nobilities and aristocracies of pre-modern Europe, many Portuguese noble families used heraldry to build, consolidate, transmit, and perpetuate identity traits that, internally and externally, defined a sense of belonging to a group. Among the different solutions adopted to regulate the use and transmission of arms and the rest of the family's symbolic heritage were entails. Entails were legal institutions that framed kinship and organized heritage transmission. They were also creators of identity, here defined as “entailment identity”. The aim of this article is to evaluate the relationship between heraldry and entailment identity from a holistic and contextual perspective. It aims to present the role played by heraldry within the scope of entailment, contextualizing the interpretation of heraldic manifestations within a broader identity logic. The concept of entailment identity is briefly presented in the first section of the article. The second section demonstrates the functioning of the relationship between heraldry and entailment identity based on a case study, the entail founded in 1621 by a secretary of state of king Filipe II, Luís de Figueiredo Falcão.

La investigación busca explicar la integración de recursos digitales y gráfica ambiental en una estrategia transmedia como parte de la narrativa museográfica de museos en Lima. La hipótesis sugiere que, si existe dicha integración, entonces se fomentará una cultura participativa que trascienda el espacio físico de las exhibiciones. Se utilizó un método de estudio cualitativo etnográfico con alcance descriptivo, en el que se realizó un análisis visual de recursos gráficos e interactivos, así como de la manera en que los visitantes se relacionan con ellos. Los museos estudiados fueron el Museo Nacional de Arqueología, Antropología e Historia del Perú; el Lugar de la Memoria, la Tolerancia y la Inclusión Social; y el Museo de Arte de Lima. En los principales resultados, se encontró que la digitalización de los contenidos no promueve imperiosamente una participación en el entorno virtual. Además, en el espacio físico, los usuarios buscan diferentes estímulos con los que interactuar y estos no necesariamente provienen de una pantalla. Se concluye que existe una incipiente cultura participativa que trasciende el espacio físico de las exhibiciones museográficas, y que depende exclusivamente de que estos sean formulados, de acuerdo con una narrativa transmedial coherente, integrando recursos digitales y gráfica ambiental.