2020년과 2021년 코로나19 상황을 실시간으로 반영한 미국 지상파 의학 드라마 다섯 편(<시카고 메드>, <굿 닥터>, <그레이 아나토미>, <뉴 암스테르담>, <더 레지던트>)을 통해 TV 드라마 시리즈처럼 장기간 진행된 작품에서 현실을 실시간으로 반영하는 현상은 방송이라는 제공형태의 속성에서도 기인했음을 살펴본다. TV 드라마 시리즈가 시청자와 함께 살아간다는 표현은 동시대성을 의미할 것이며, 이는 시청자가 TV 드라마 시리즈에 느끼는 사실성과 연관된다. 당시의 실시간 시대 반영이 가능했던 이유로 다음 세 가지를 제시한다. 의학 드라마는 실시간으로 관련 세부사항을 도입하는 고증이 중요한 장르라는 점, 미국 지상파는 송출 및 연재 방식에서 주간단위 편성과 시즌 제도를 운영하고 있기에 극중 전개와 시청자가 비슷한 시간을 체험할 수 있는 관습이 견고했다는 점, 그리고 내용 전개 및 작품성을 책임지는 실무 총괄자의 존재가 실시간 반영을 일종의 책임 의식으로 인식하고 실행했다는 것을 들 수 있다. TV 드라마 시리즈가 시청자와 같은 시대를 살아가는 존재로서 제작 상의 어려움에도 불구하고 실시간 내용 반영을 했다는 사실은 TV 프로그램이 단순한 오락과 도피 이상이 될 수 있음을 보여준다. TV 방송의 사실감과 일상성은 프로그램이 반복적 지속적으로 제공되면서 형성되고 시청자와의 유대감을 강화한다. 이는 전통적 매체 시대의 TV가 뉴미디어 시대의 독자적 특성이 될 수 있음을 시사한다.

이 논문은 <서브스턴스>(The Substance, 2024)에 재현된 엘리자베스-수의 분열과 실패로부터 페미니즘 정치학의 실천 가능성을 탐색하고자 한다. 이를 위한 이론적 배경으로 테레사 드 로레티스(Teresa de Lauretis)가 Technologies of Gender(1987)에서 제안한 개별 주체의 ‘미시정치적 실천(micropolitical practices)’ 가능성을 검토하고, 이러한 로레티스의 주체 이론을 참조하는 로지 브라이도티(Rosi Bridotti)의 Nomadic Subjects(1994)를 경유하여 여성 주체가 젠더화/성차화되는 이중적인 위치를 살펴본다. 이들에 따르면 대문자 여성(Woman)과 소문자 여성들(women)이라는 복수의 층위를 이행하는 여성 주체는 자신의 주체화 조건이기도 한 권력 구조의 내부와 외부 사이 비판적 공간을 창출할 수 있다. 이들의 작업은 포스트산업 이후 오늘날 대중문화 속에 재현된 ‘여성의 몸’을 재사하는 데 있어 현재까지도 유효한 통찰을 제공한다. 이러한 맥락에서 바디 호러(body horror) 장르 영화 <서브스턴스>가 과잉된 이미지로 재현하는 엘리자베스-수의 신체 변형은, 위와 같은 페미니즘 정치학에 실패한 여성 주체를 그리고 있다. 그러나 동시에 엘리자베스-수의 분열은 페미니즘 정치학의 가능 조건을 상상하도록 만드는 단초를 제공한다. 그녀의 끔찍한 최후는 불평등한 젠더 권력 구조 속 여성 주체의 위치성을 비판적으로 전경화하고 있기 때문이다. 나아가 <서브스턴스>와도 같은 현실 사회 속 여성들이 페미니즘 주체가 되는 걸 방해하고 있는 것이 무엇인지 질문한다. 이때 현대 미국 사회에서 작동하는 지배 테크놀로지로서 웰빙(well-being) 담론, 행복 각본(script of happiness), 잔인한 낙관주의 등은 위와 같은 질문에 대한 답이 된다. 따라서 페미니즘 정치학의 관점에서 엘리자베스-수를 실패로 이끄는 구조적 요인들을 이 개념들을 통해 독해하고, 이러한 구조적 설명이 신자유주의 논리 아래 은폐되는 방식을 영화가 어떻게 폭로하고 있는 지분석한다. 위 개념들은 현대 미국 사회 속 젠더화된 권력 구조가 어떻게 여성을 지배 규범 아래 관리하고, ‘건강’이라는 코드를 통해 여성의 신체를 상품화하며, 이로부터 벗어난 이들을 사회적 긍정 혹은 승인으로부터 배제함으로써 여성이 욕망하는 방식이 결정되는 과정을 설명해준다. 결과적으로 <서브스턴스>는 지배 각본 아래 놓인 여성 주체의 자기파괴를 비판적으로 전경화함으로써, 이를 목격한 관객들로 하여금 그녀와 다른 방식으로 욕망하기 위한 가능 조건을 상상하게 만든다. 이는 페미니즘 정치학의 영화적 실천으로서 <서브스턴스>가 가진 가능성이다.

이 논문은 영화 <500일의 썸머> (Marc Webb, 2009)를 트랜스 아이덴티티 비평의 관점에서 분석하며, 미셸 마페졸리(Michel Maffesoli)의 순환 시간성과 디오니소스적 현재성 개념을 중심으로 이 영화가 드러내는 정체성 전환의 감정 리듬을 살핀다. 영화는 선형적 시간의 흐름을 따르지 않고, 감정의 파동과 기억의 회귀에 따라 장면을 배열함으로써 인물의 변화가 하나의 고정된 자아에서 다른 자아로 향하는 진보적 전환이 아니라, 반복과 흔들림, 감정의 윤무(輪舞) 속에서 발생하는 정체성의 유동적 구성임을 보여준다. 마페졸리의 이론은 이러한 감정의 반복성과 일상성의 감각적 리듬을 이해하는 데 중요한 이론적 자원이 되며, 이 논문은 <500일의 썸머> 속 주인공 톰 핸슨의 정체성 전환 과정을 트랜스 아이덴티티 담론과 순환 시간 개념을 통해 분석함으로써, 영화가 전하는 일상성과 현재성의 미학을 밝히고자 한다. 특히, 본 연구는 이 영화가 비선형적 구조를 통해 감정의 순환성과 현재의 강렬함이 만들어내는 ‘다른 방식의 정체성 전환’을 강조하고, 이를 통해 정체성이 단일하고 안정적인 실체가 아니라, 반복되는 관계적 경험 속에서 끊임없이 재구성되는 유동적 과정임을 드러낸다. 또한 트랜스 아이덴티티 비평이라는 관점을 적용함으로써, 성별⋅자아⋅관계의 전환을 ‘이분법적 경계의 이동’이 아니라 감각적 리듬의 재배치로 파악하는 가능성을 제시한다. 본 논문은 궁극적으로 영화 텍스트와 철학적 개념을 접합시킴으로써 감정⋅정체성⋅시간성의 교차점을 탐구하는 하나의 방법론적 시도를 보여준다.

본 논문의 목적은 비교적 최근에 개봉한 <더 문>(2023)과 <문맨>(2022)을 통해 한국과 중국의 SF영화에 나타난 장르적 특성을 살펴보는 것이다. 대규모의 자본과 하이테크놀로지를 필요로 하는 SF 영화는 한국, 중국 등 동아시아 국가들에서 단순한 영화 장르가 아니라 자국 영화 산업의 수준을 확인시켜 주는 하나의 지표로 인식되어 왔다. 또한 이미 디지털 기술이 보편화된 21세기에 SF 영화는 단순히 과학기술의 발전을 과시할 뿐 아니라, 첨단 과학기술이 일상화된 현실의 문제를 반영하고 비판적인 대안을 제시하는 리얼리즘 장르로서의 가능성을 보여준다. 이에 본 논문에서는 비교적 최근 개봉한 한국과 중국의 SF 영화 <더 문>과 <문맨>을 중심으로 동아시아적 SF 장르의 영화적 특성을 논의하고자 했다. 영화의 장르는 내러티브를 중심으로 한 관습 체계와 관련이 있다. ‘달’이라는 우주 공간을 다루고 있는 <더 문>과 <문맨>은 스토리와 캐릭터, 장르 관습의 측면에서 다음과 같은 공통점과 차이점을 보여준다. 스토리의 관점에서, 두 영화는 ‘대아를 위한 소아의 희생’이라는 진부한 영웅서사 구조를 답습하는 것처럼 보이지만 이를 극복하는 요소들도 포함하고 있다. 예를 들어, 두 영화는 모두 달이라는 공간을 고갈된 지구 자원의 새로운 창고 또는 식민지, 지구의 멸망 위기에 대비한 일종의 방공호라는 구태의연한 인식을 자연스럽게 받아들이는 한편으로, 지구라는 현실의 제한을 극복하는 대안 공간으로 재인식함으로써 지배와 피지배라는 기존의 권력 관계에 대한 인식의 전환을 보여준다. 캐릭터의 관점에서, <더 문>과 <문맨>은 모두 집단의 명령을 거부하고 개인의 욕구와 의지를 우선시하는 새로운 세대의 스테레오 타입을 보여준다. 그러나 이 개인주의적인 주인공의 이기적인 선택이 결국 자신과 지구, 나아가 인류를 구원하는 원동력으로 전화한다는 점에서 영웅서사의 전형에 통합되는 경향을 보인다. 이 영화들에서 지구를 구원하려는 달로의 탐험을 통해 파편화된 현대적 주체는 인류애와 가족애로의 회귀를 통해 매우 모범적인 영웅서사의 주인공으로 성장한다. 장르의 관점에서, <더 문>과 <문맨>은 SF와 다른 장르의 요소를 혼합하는 양상을 보이며, 이를 통해 기존 장르 문법의 전복을 시도한다. <더 문>은 개인과 사회 간의 모순에 집중하는 가족 멜로의 장르성을 강조하는 동시에 대부분 비극인 이 장르의 포뮬러를 전복하면서 해피엔딩으로 나아간다. <문맨>은 중국적인 특색이 매우 두드러지는 카이신마화 코미디 장르의 전형을 보여준다. 카이신마화 코미디는 개인의 자각과 현실로의 재통합을 지향하는 경향이 있는데, 이 과정에서 개인은 희생되지만 전체는 회복된다. 이는 구조적 변화를 일으키지 못하고 개인의 행복에 머무르는 기존의 코미디 포뮬러를 변화시킨 것이라 할 수 있다.

최근 몇 년간, 젠더 권력 구조와 여성 주체성의 부상은 중국 영상문화의 주요한 쟁점으로 떠오르고 있다. 샤오이후이(邵藝輝) 감독의 <Her Story>(2024)는 싱글맘 왕톄메이(王鐵梅)를 중심으로 가족애, 우정, 자아성장 속 현대 도시 여성의 주체성 표현을 담아내고 있다. 영화에서 남성 캐릭터는 의도적으로 주변화되고 기능화 되며, 여성의 성장과 감정 형성 과정에서 ‘타자’로 제시되며, 이를 통해 중국 주류 영화에 내재되어 있는 가부장적 구조를 전복하고 해체하려고 시도한다. 본 논문은 장 폴 사르트르(Jean-Paul Sartre)의 실존주의 철학과 주디스 버틀러(Judith Butler)의 젠더 이론을 이론적 틀로 삼아, 영화 속 남성 인물들이 가부장제가 부여한 ‘본질’을 상실한 이후 어떻게 자기 규정 능력과 행위 가능성을 점차 잃고 공허한 객체로 전락하는지를 분석한다. 이에 반해 여성 캐릭터들은 상호 지지와 주체적 선택을 통해 ‘존재’의 가치와 의미를 재정립하는 과정을 보여준다. 그러나 권력 관계의 전환과 더불어 영화가 구성하는 ‘여성의 응시’에는 역설이 잠재한다. 의미 발화의 권한이 재분배되더라도, 그 응시가 ‘타자’에 대한 윤리적 응답과 상호 인정을 결여할 경우 또 다른 규율로 작동하거나, 표면적 해체 이면에서 재코딩된 구조로 기능할 위험이 있다. 이러한 문제의식을 바탕으로 본 논문은 <Her Story>가 구축한 남성 타자화의 서사적 표상과 기능을 검토하고, 이러한 젠더 치환 전략이 기존 권력 구조를 실질적으로 동요시키는 범위와 한계를 비판적으로 규명한다. 특히 담론 권한의 단순한 이동이나 역할 전도에 머물 때 나타나는 구조적 반복성과 역방향 규율의 문제를 분석함으로써, 중국 페미니즘 영화 담론의 비판적 지평을 확장하고자 한다.

영화, 드라마, K팝 등 여러 장르에 걸쳐 한류가 전 세계적으로 확산하고 있다. 이에 따라 한국에 대한 관심과 호감도가 높아지면서, 한류를 소재로 한 OTT 콘텐츠까지 제작되었다. 글로벌 OTT 넷플릭스에서 공개된 미국 애니메이션 <케이팝 데몬 헌터스>, 미국 드라마 <엑스오, 키티>가 이에 해당한다. 두 작품 모두 큰 인기를 얻으며 넷플릭스 글로벌 순위 1위에 올랐다. 글로벌 성과뿐만 아니라 인적 구성, 새로운 가치의 접목과 활용 등 다양한 면에서 공통점이 많다. 따라서 본 연구는 두 작품을 중심으로 해외에서 제작된 한류 소재의 OTT 콘텐츠의 특성을 살펴본다. 글로벌 사회에서 특정 국가의 문화가 전파되는 과정에선 다양하고 이질적인 문화적 요소가 섞일 수 있다. 한류와 한국 문화가 콘텐츠를 통해 어떠한 방식으로 그려지고 확산하는지 자세히 살펴봐야 하는 이유이다. 이에 따라 본 연구는 현재 활발히 이루어지고 있는 한국 문화의 표상과 확산을 재점검한다는 점에서 의미가 있다. 연구방법으로는 아르준 아파두라이가 주장한 ‘글로벌 문화 흐름’ 이론의 ‘스케이프(scape⋅정경)’ 분석을 활용한다. 아파두라이에 따르면 오늘날 글로벌 문화는 중심-주변의 이분법적 모델로는 설명할 수 없으며, 하나의 ‘흐름(flow)’으로 유동하며 존재한다. 스케이프 분석 결과, 두 작품엔 한국계 출신 이민자들의 디아스포라적 경험이 반영된 것을 확인할 수 있다. 이들은 서양과 한국의 문화를 결합하고, 이에 전통문화 또는 성정체성 등 새로운 가치도 더하였다. 대규모 글로벌 자본을 바탕으로 제작사와 OTT 등 국내외 미디어 기업의 네트워크도 긴밀히 구축하였으며, 작품 안팎으로 첨단 기술을 활용하여 큰 파급력도 만들어 내기도 하였다. 하지만 다른 문화와 가치를 결합한 만큼, 일부 과장된 부분과 오류가 나타나기도 하였다. 본 연구는 이 같은 스케이프 분석을 통해 한류와 한국 문화가 어떻게 표상되고 전파되는지 살펴본다. 또한 해당 작품들이 새로운 문화 흐름을 형성하는 방식을 탐구하고 보완점은 무엇인지 함께 연구한다. 이를 통해 글로벌 시대에 한류 소재 OTT 콘텐츠로 한류와 한국 문화가 보다 다채롭게 표현되고, 널리 확산할 방안을 모색한다.

본 연구는 전통적 2D 영화 문법이 시네마틱 VR 환경에서 어떻게 전략적으로 변형되고 절차적으로 재구성되는지를 고찰한다. 특히 VR 4DX 중편 영화 〈기억을 만나다〉의 제작 과정을 프리–프로–포스트 프로덕션 단계로 나누어 분석함으로써, 기존 영화 문법의 주요 연출 요소(구도, 샷 사이즈, 컷 편집, 시선 유도 등)가 VR 환경의 감각적⋅기술적 조건(360도 시야, 시선 자유도, 프레임 해체, 컷 편집 제한 등)에 따라 어떤 방식으로 조정되고 적용되었는지를 실증적으로 제시하였다. 분석 결과, 기존 영화 문법은 단순히 폐기되는 것이 아니라, 시청 환경과 감정 몰입 구조에 맞춰 전략적으로 변형되며, VR만의 감각적 연출 미학으로 재배열되는 과정을 거치는 것으로 나타났다. 특히 시청자의 감각 체험을 중심에 두는 VR 영화에서는 조명, 음향, CG, 배우 동선 등 다양한 감각 요소들이 전통적 연출 기법의 대체 기능을 수행하며, 공간 중심의 서사 구성과 정서적 리듬 설계를 통해 새로운 유형의 몰입형 서사 구조를 구성한다. 본 논문은 이러한 분석을 통해 시네마틱 VR 환경에서 요구되는 새로운 연출전략의 가능성과 방향성을 탐색하며, 향후 VR 영화 제작과 이론 연구의 기초 자료로서의 의의를 갖는다.

본 연구는 한국 오컬트 영화 곡성과 파묘를 장르 융합의 관점에서 분석하였다. 이를 위해 장르를 일종의 구성성분으로 이해하고, 영화 속에 자리 잡은 장르 요소를 하나씩 해석하는 방식으로 분석을 진행했다. 우선 장르의 관점에서 곡성과 파묘가 갖는 가장 큰 공통분모는 오컬트 호러이다. 하지만 마지막까지 일관된 오컬트 영화의 공식을 지킨 파묘와는 달리, 곡성의 오컬트 서사는 온전하지는 않으며 일반적인 초자연 호러로 일정 부분 이탈하는 경향을 보인다. 또한 곡성에는 미스터리 스릴러와 좀비 영화의 요소가, 파묘에는 하이스트 무비와 괴수 영화의 요소가 확인되었다. 곡성의 좀비 요소와 파묘의 하이스트 요소는 영화 전반에 조화롭게 분산되어 있다. 반면 곡성의 미스터리 스릴러는 전반부에 강조되면서 후반부의 오컬트와 대비되는 구도를 이룬다. 한편 파묘는 곡성과는 다른 방식으로 전반부와 후반부를 나눈다. 파묘 속 괴수 영화의 요소는 후반부에만 등장한다. 파묘의 괴수 요소가 오컬트 요소를 약화하지 않고 잘 융합된 것에 비해, 미스터리 스릴러가 지배적인 곡성의 전반부에는 오컬트 요소가 희미하게 나타난다. 본 연구는 이처럼 곡성과 파묘의 핵심적 차이점이 장르적 구성성분의 차이에서 발생한다는 점을 밝혀냈다.