Margaret S. Barrett e Heidi M. Westerlund in Music Education, Ecopolitical Professionalism, and Public Pedagogy. Toward Systems Transformation (Springer, 2023) propongono di ripensare alla pedagogia musicale e al professionismo degli insegnanti di musica e dei musicisti come a mezzi funzionali al miglioramento dell’ecologia sociale in termini di giustizia, etica e creatività. L’obiettivo è generare un impatto sociale trasformativo in direzione di una democratizzazione inclusiva nella fruizione di un’educazione musicale di qualità. Tra i vari temi proposti vi è la critica al «professionismo imperialista» e all’impostazione tradizionale dell’insegnamento fondato sulla conservazione tecnica e sulla gerarchizzazione dei repertori musicali. Vengono presentati tre casi di studio – l’esperienza comunitaria di Tuulikki Laes, i progetti cooperativi di Riju Tuladhar e l’attivismo globale di Ricky Kej – per dimostrare come le grandi sfide contemporanee (dal cambiamento climatico alle disuguaglianze economiche e sociali) possano essere affrontate attraverso progetti didattico-musicali pubblici. La proposta, pur complessa da contestualizzare e modulare nel contesto educativo italiano, sollecita un’interessante e attuale riflessione sul ruolo sociale e politico che anche l’insegnamento musicale può assumere.

Lo scritto affronta la questione di un approccio interculturale alla didattica della musica presentando alcune esperienze da tempo operanti in ambito internazionale, soprattutto negli Stati Uniti, nel quadro dei corsi universitari di ‘music of the world’. Presenta inoltre una serie di pubblicazioni che affrontano lo stesso tema, rilevando come uno studio delle musiche del mondo sia ormai parte della didattica musicale diffusa a livello internazionale. Dopo una riflessione su come anche l’etnomusicologia sia una disciplina che affronta la musica sempre più in prospettiva diacronica, lo scritto presenta due progetti italiani che si avvalgono di risorse in rete nei quali vengono forniti a docenti e studenti interessati materiali scientificamente autorevoli per uno studio delle diverse tradizioni musicali in prospettiva interculturale.

This review examines the volume Composizione, analisi musicale e tecnologia nella scuola primaria. I bambini compongono, raccontano, analizzano, riflettono (Pisa, 2019) by Emanuele Pappalardo. The book reports the results of a school experiment conducted by a network of institutions, including the Comprehensive School Institution of Latina and the Music Conservatory of the same city, where the author teaches. The relationship between composition, musical analysis and listening, mediated by the use of the computer, was the heart of the experiment, which was structured like a laboratory and organized like a research project. The purpose of the volume is to document both aspects, and also to provide a self-training course for teachers, to whom it is primarily addressed.

Stephen Collins Foster (1826-1864) is a crucial figure in the history of popular music, and in American history at large: the author of globally known songs such as, among many others, Susanna or Old Folks at Home, in 1951 a Congress resolution described him as «the father of American popular music». Despite this, for several decades his work and his own figure have been at the center of a heated debate that is leading to removal from both the musical and civil world. This contribution proposes a didactic unit aimed at providing knowledge about what is ultimately a fundamental author, filling, among other things, a substantial gap in Italian musicological literature. It is addressed primarily to Secondary Schools. However, its basic concepts can also be useful for Upper Secondary Schools and for Italian Popular music history courses at university or conservatory level.

This contribution offers a summary of a wide range of recent legislative measures concerning music education in Italian public schools, starting with the laws promulgated in 1999. The examination of the different norms for each type of school and grade level, from primary to upper secondary school, leads to some general reflections, some of which are technical in nature, about the idea of musical education as a result of the intervention of the State in matters of public education. A substantial portion of the essay is devoted to the analysis of the latest law on education (law 107 of 2015), which had a tremendous impact on Italian musical education.

L’articolo affronta aspetti riguardanti l’insegnamento-apprendimento della storia della musica nell’attuale sistema educativo scolastico italiano di grado superiore. Nella prima parte si focalizza l’attenzione su oggetti e metodi per la trasposizione del sapere storico-musicale in relazione a un modello di educazione musicale orientato alla comprensione della musica come cultura. Nella seconda parte si propone un esempio di trasposizione didattica incentrato su un brano tratto dal melodramma I Puritani (1835), composto da Vincenzo Bellini su libretto di Carlo Pepoli: si tratta della stretta «Suoni la tromba e intrepido» del duetto Giorgio-Riccardo «Il rival salvar tu dei» (Atto II, scena 4). In prospettiva multidisciplinare, esso è organizzato in due livelli: il primo sulla didattica dell’ascolto, il secondo sul passaggio dalla didattica dell’ascolto alla didattica della storia della musica.

This article explores the place of music in public education in Hong Kong. Over the past twenty years, the education system has been transformed, from the first year of primary school through university. The changes were initiated in the years immediately following the 1997 establishment of Hong Kong as a special administrative region of the People’s Republic of China, after more than 150 years as a British colony. In this article, sources examine include the Education Bureau’s guidelines on curriculum and government publications that outline the place of music and the importance of quality of life in the administration’s goals. The article focuses on the senior secondary music curriculum, comparing it with the music programs in Hong Kong universities. While the comparison shows that there are strong links between secondary and tertiary studies in music, it also illustrates some of the gaps in the system, especially in the areas of music theory and history.

L’articolo discute i presupposti di quelle concezioni teoriche che danno per scontata una sostanziale omogeneita degli studenti stranieri rispetto agli autoctoni. Sulla scorta di uno studio di SINUS-Sociovision (2007), l’autrice identifica dapprima quattro diverse tipologie di studenti, distinte quanto a immagine di se, atteggiamenti, valori, mentalita e modalita di rapporto con le micro e macro-culture proprie e altrui: esse esigono un approccio differenziato e individualizzato sia nei processi di insegnamento e apprendimento sia nei contesti sociali. Per quanto concerne la formazione iniziale degli insegnanti, e ancor piu la formazione in servizio, essa deve tenere conto delle diverse modalita di relazione con tali diversi tipi di allievi e con le diverse pratiche di insegnamento interculturale della musica. Giova inoltre elaborare – in costante dialogo tra scienze dell’educazione e pratica didattica – metodi specifici per affrontare questa diversita di secondo grado. L’acquisizione di una ‘competenza interculturale’ non e meno indispensabile del coinvolgimento dei genitori cosi come di musicisti esterni in qualita di esperti, e dell’ottimizzazione del materiale didattico in vigore.

Il percorso didattico illustra una particolare modalità di didattica dell’ascolto di un brano di musica a programma che prevede l’ascolto e la descrizione delle strutture musicali prima della presentazione del programma. Oggetto dell’attività è l’ouverture per il Sogno di una notte d’estate op. 21 di Felix Mendelssohn, della quale si osservano le componenti musicali ed espressive cercando di evitare ogni riferimento alla commedia shakespeariana che ne è il riferimento programmatico. Soltanto alla fine del percorso se ne analizzeranno i personaggi e l’intreccio facendo notare come le strutture musicali precedentemente descritte vi si possano riferire.

In questo articolo vengono analizzate le diverse interpretazioni dell'inclusione nella pedagogia musicale tedesca e poi, da due punti di vista diversi (insegnare musica in maniera inclusiva e insegnare inclusivamente con la musica”) sono tematizzate le possibilita del rapporto tra musica e inclusione. L'esempio di un progetto nell’ambito della formazione degli insegnanti mostra come le due direzioni sopra evidenziate possano essere collegate tra loro in vista della pratica didattica e a livello di riflessione. In conclusione, tenendo conto anche delle possibilita di cooperazione tra le istituzioni e con particolare attenzione alla formazione degli insegnanti nell’area tedesca, vengono formulate alcune ipotesi per un ulteriore sviluppo di approcci inclusivi nell’ambito della musica e della formazione musicale.