Las actuales directrices nacionales e internacionales en materia educativa señalan la importancia del empleo de diferentes estrategias metodológicas para el desarrollo de las competencias clave a la finalización de la escolarización obligatoria. A este respecto, la gamificación es una estrategia de enseñanza proclive para el desarrollo de contenidos y competencias clave en el aula a través de la adaptación de elementos del juego. De este modo, se presenta la experiencia del empleo de esta estrategia metodológica para conocer el período histórico del clasicismo musical en dos aulas de 3o de Educación Secundaria Obligatoria. Los resultados obtenidos muestran una buena aceptación y una alta motivación de los estudiantes participantes en la propuesta de actividades. A su vez, se muestra la posibilidad de indagar de forma más profunda en aspectos del análisis musical, y en los ámbitos de escucha y percepción musical.

This article aims to discuss the instrumentality of water in the repertoire for percussion, using the performance of the work Water Music (2004) by Chinese composer Tan Dun (1957) as a case study. Rooted in my own artistic practice (as percussionist, improviser and composer) in the performance of the work as the core of research process, this investigation also combined methods and theoretical perspectives from the fields of auto- and performative-ethnography (Wong 2008), in addition to semi-structured interviews with other percussionists specialists in Tan Dun’s water percussion works. Starting with an overview on water's integration into Western art music and its dynamic connection with percussion, this investigation intended to reveal, from the perspective of a percussionist, the intricate performative process involved in Tan Dun's Water Music. This investigation underscored the presence of a unique performance path, shaped by singular performative demands, in addition to creative and experimental artistic practices.

This article aims to analyse the solo percussion parts in Antinomies I, written for chamber orchestra by Brazilian composer Rogério Duprat (1932–2006) in 1962. Characterised by its graphic notation, the composer uses indeterminacy to lead the orchestra into an unconventional paradigm of sound creation. The analysis focuses on the percussionist's range of choices in order to understand how they affect the macro and microstructural elements of the work. There is considerable scope for choices in the percussion part of Antinomies I, which requires the use of "multi-percussion". Eight of the thirty-two circular structures that form the score are percussion solos. It is a significant number, greater than any other individual instrumentalist from the chamber orchestra. These circles form a heterogeneous group with different degrees of indeterminacy whose analysis reveals the interpretive process of transforming a graphic score into percussion sounds.

The paper’s objective is to depict the current situation regarding the use of digital tools on the part of musical education teachers and students to teach and learn music. The research tool used is a questionnaire designed and validated psychometrically by the authors, focusing on eight types of technological musical tools. The questionnaire was distributed through social networks, providing a valid sample of 274 participants in Spain. The analysis of the results reveals very little knowledge regarding digital tools for present-day musical education. It also highlights that the age of the participants does not correlate with the type of technological resources used in classrooms, leading to the conclusion that said resources are not a factor that impede acquisition of digital competence. However, substantial differences are observed depending on the sample’s professional profile. This study intensifies the need to provide training solutions in order to improve the quality of music education systems.

O presente trabalho apresenta um panorama da evolução e da multiplicidade da percussão, especialmente a partir do séc. XX. Ele trata, consequentemente, dos desafios que o/a percussionista atual encontra perante esse fenômeno, desde a criação e aperfeiçoamento de diversos instrumentos, o desenvolvimento de diferentes técnicas e o surgimento de um vasto repertório para distintos instrumentos e estilos musicais, tanto em contexto mundial como no Brasil. Isto faz com que boa parte dos/as percussionistas se encontrem em algum momento num paradoxo entre a busca pelo ecletismo perante essa grande diversidade ou pela maior especialização, focando em apenas um ou alguns dos instrumentos e/ou estilos abordados. Discutir-se-á também como as instituições de ensino de percussão têm lidado com essas questões específicas.

A Escala de Avaliação dos Efeitos da Musicoterapia em Grupo na Dependência Química (MTDQ) é um teste de autorrelato composto por 20 itens que avaliam os benefícios percebidos por pacientes adultos com dependência química sobre os efeitos da musicoterapia em grupo em seus processos de mudança. A MTDQ possui evidências de validade de conteúdo, mas carece de análises sobre outros aspectos da validade de um teste. Este estudo objetivou avaliar a validade estrutural e a confiabilidade da MTDQ. Através da análise fatorial confirmatória de itens, três modelos foram testados: unidimensional, dois fatores correlacionados e bifatorial. A amostra possui 202 adultos (44,7±12,7; 23,37%, mulheres) com dependência química que participaram de grupos de musicoterapia e responderam a MTDQ em um Centro de Referência de Saúde Mental Álcool e Drogas na cidade de Belo Horizonte/MG. Os resultados indicam adequação da estrutura bifatorial, composta por dois fatores específicos (processos cognitivos e processos comportamentais) e um fator geral. Este estudo traz evidências iniciais de que a MTDQ é um instrumento apropriado para medir três benefícios percebidos pelos pacientes com dependência química sobre a musicoterapia em seus processos de mudança.

Instrumentos musicais são geralmente pesquisados sob uma ótica eurocêntrica, que os observa enquanto objetos fixos e padronizados, a partir de aspectos físicos sobretudo visíveis, e os compara a instrumentos tidos como padrão oriundos sobretudo da música de concerto europeia. Tendo como mote principal a investigação da viola machete do samba de roda, este artigo cruza registros históricos e iconográficos da presença de instrumentos africanos no Brasil e dados coletados em campo com sambadores e luthiers de viola, desconstruindo a ideologia da origem europeia de instrumentos e práticas da música popular no Brasil. Busco demonstrar como instrumentos musicais não são meros objetos fixos passíveis de transferência imutável de uma cultura a outra, mas que, como os “seres vivos” que constituem seus materiais de construção em contextos tradicionais, são constantemente adaptados a diferentes contextos, sendo muitas vezes substituídos e ressignificados de acordo com a prática musical.

This article offers a formal analysis of Tōru Takemitsu’s composition November Steps and discusses the composer’s statements that the piece has eleven variations (that he calls “Steps”) and is an equivalent of a Western Theme and Variations form as well as of a Japanese traditional form called danmono. There is a discrepancy between these statements and the music’s temporal organization. Not too much has been written about November Steps, and musicologists that have done it have avoided the “perplexing task” of double checking what is true about them and what is not. Therefore, this article’s goal is to unveil the mysteries about November Steps’ form, which is thoroughly considered here as musical time. The work displays a unique conception of temporality, identified here as circular, at one level, and cyclic, at another. The article explains the notion of circularity as applied to musical time, and also discusses the relationship between this specific work and the Japanese and Western traditional concepts of time that are reflected in the music.

Este artigo consiste em um estudo no campo da investigação artística que propõe a aplicação de uma ferramenta metodológica específica para a construção de uma interpretação, baseada no estudo de obras do compositor Flausino Valle (1894-1954). O foco consiste na observação do processo, com considerações de questões técnicas e musicais e com o objetivo de sistematizar e propor uma ferramenta teórico-metodológica replicável. A partir da Prática Artística Reflexiva (PAR), estruturada em um percurso com dois ciclos de coletas de dados, uso do diário reflexivo e a análise através do método autoetnográfico buscou-se captar, descrever, analisar e, por fim, sistematizar, o processo de aplicação de estratégias para o desenvolvimento da interpretação das obras em questão. A metodologia escolhida para a construção da interpretação mostrou-se como colaborativa ao estímulo autorreflexivo e autorregulatório e gerou uma ferramenta metodológica.

This article describes how Brazilian composer José Siqueira (1907-1985) used musical elements from the folkloric tradition known as Maracatu in the composition of the songs titled Loanda and Maracatu. A secondary goal is to suggest interpretative performance approaches that take into consideration the musical, textual, and sociocultural aspects of these songs. The methodology for the analyses was based on the categories and terms for examining the musical frameworks of art songs outlined by Carol Kimball in her two books about art song, as well as Siqueira’s own-devised Trimodal System. In Loanda and Maracatu, the composer uses several rhythmic cells that are characteristic of the Maracatu folkloric tradition, as well as a clear twentieth-century musical language, confirming Siqueira’s two aesthetic orientations: Folkloric Nationalism (when the composer uses the pure elements of folklore) and Essential Nationalism (when the composer draws inspiration from folklore to create his own musical language).