The current study investigates the intersection of biomimicry, a design approach inspired by nature, and artificial intelligence, a product of technological innovation. Biomimicry offers solutions by drawing from biological mechanisms to address design challenges, allowing designers to create efficient materials and solutions. Designers using this approach apply insights from studying organisms and natural processes, but conventional computer-aided design software is limited in translating complex biological forms into practical applications. Artificial intelligence (AI)-supported design tools, however, overcome these constraints and provide designers with greater creative freedom. Although studies have brought together the biomimicry approach and furniture design, few studies in English literature systematically analyze the impact of AI-supported software on biomimicry-based furniture design processes. The present research aims to highlight the significance of AI software in facilitating the creation of nature-inspired designs by making the design process more adaptable and innovative. Through a comparative analysis of furniture designs generated with various AI visualization tools, this research examines differences in material use, aesthetic quality, and incorporation of technological advancements. The findings reveal that furniture designs created with AI-supported tools demonstrate notable variations in terms of material efficiency, visual appeal, and representation of contemporary technological trends, emphasizing AI's pivotal role in advancing the field of biomimicry furniture design.

Este estudio analiza la evolución del mobiliario escolar en España entre 1952 y 1970, enmarcándola en un contexto de transformación pedagógica, industrial y tecnológica. Se identifican tres aspectos centrales: primero, la influencia de metodologías pedagógicas activas que demandaron mobiliario más flexible y ergonómico; segundo, los avances en diseño y materiales, como la integración de estructuras mixtas de madera y metal, impulsadas por innovaciones como el curvado de tubo metálico; y tercero, el impacto de políticas educativas y programas estatales que promovieron la modernización de las aulas. Entre los protagonistas destacan arquitectos como Miguel Fisac, Mariano García Benito y Rafael de la Hoz, entre otros, junto a empresas como Federico Giner, cuya producción refleja los cambios en las prácticas educativas y los avances tecnológicos. Este trabajo resalta la relevancia del mobiliario escolar como catalizador de nuevas dinámicas de aprendizaje, conectando diseño, pedagogía e industria en el periodo estudiado.

De entre todos los objetos artísticos que pertenecieron a Pablo Spínola Doria, III marqués de Los Balbases, destaca sobre todos ellos una cama de plata sobredorada fabricada en Augsburgo con una serie de intrincadas decoraciones que aportaron al mueble un significado más allá del puramente práctico y ornamental. A través de un análisis formal y simbólico, este estudio busca contextualizar esta cama no solo como un objeto de lujo, sino como una herramienta de autopromoción y un reflejo material de la identidad y la política de mecenazgo cultural del marqués en el ámbito diplomático europeo del barroco, demostrando de esta manera cómo los objetos artísticos funcionaban como extensiones de la imagen y reputación de sus comitentes.

La diseñadora Clara Porset y la fotógrafa Lola Álvarez Bravo son dos figuras fundamentales en la construcción de la modernidad mexicana basada en su herencia cultural y sus raíces vernáculas. Aunque existen diversas investigaciones sobre la obra de cada una, poco se sabe sobre su trabajo conjunto. A través del análisis de la documentación custodiada en los archivos de Clara Porset y Lola Álvarez Bravo, se propone, a continuación, profundizar en sus colaboraciones –en concreto, en la exposición “El arte en la vida diaria” y en una selección de proyectos de arquitectura–, con el objetivo de, por un lado, mostrar y poner en valor la búsqueda de un proyecto común, resultado de la comunión de sus intereses, y, por otro, sacar a la luz esta alianza clave para la difusión de la tradición y modernidad mexicanas, a través del diseño y sus fotografías.

Recensión de la muestra Ettore Sottsas. El pensamiento mágico celebrada en el Centro Pompidou de Málaga entre el 10 de octubre de 2023 hasta el 25 de febrero de 2024 comisariada por Marie-Ange Brayer y Céline Saraiva.

El Castillo de Santa Florentina, en Canet de Mar (Barcelona), es una de las obras más conocidas del arquitecto Lluís Domènech i Montaner. Entre las muchas fiestas sociales que se realizaron en este edificio, en sus años de esplendor, destaca la visita del rey Alfonso XIII en 1908. Para la ocasión se realizó una decoración especial del gran salón, convertido en salón del trono al situarse en su centro un gran asiento destinado a Alfonso XIII. Dicho trono fue diseñado por Ricard de Capmany. Según fuentes orales, al inicio de la Guerra Civil (1936-1939), el trono fue incendiado y destruido junto con el archivo del castillo por las Juventudes Libertarias. Sin embargo, recientemente, se ha localizado el trono en las colecciones del Museu del Modernisme de Barcelona.

En Ensidesa el uso de arquitectura de estilo racionalista es evidente, así como la pretensión de dignificación de la mayoría de las edificaciones levantadas. Dicha voluntad se traduce en la inclusión de diversos elementos artísticos, en su mayoría alusivos al proceso industrial desarrollado en el inmueble al que acompañan. Tanto el empleo del racionalismo arquitectónico como el diseño integral de las edificaciones fue una constante en las industrias nacionales —programa estratégico desarrollado por el franquismo dentro del que se inscribe Ensidesa—. En el caso de los edificios de Hornos de Fosa y Naves de Laminación la pretensión de integrar las artes como parte del diseño de las naves industriales es más que notable, materializándose en la inclusión de tres murales de influencia neoplasticista en los tímpanos

In 1975, when the Khmer Rouge seized power, the National Museum of Cambodia, under the care of director Ly Vou Ong, was closed with its collections abandoned. Upon the museum’s reopening in 1979 in the aftermath of the dictatorship, only seventy-three silk textiles and a costume collection of about thirty pieces were recovered. Three-quarters of this collection had disappeared due to environmental issues and looting. Most of the pre-1975 staff had died, resulting in a significant loss of knowledge about the museum’s history and objects. Due to the lack of comprehensive photographic records for each piece and the unstable inherent qualities of textiles (portable, fragile, easy to hide and copy), it appears nearly impossible to track the looted objects in other museums or private collections. However, catalogues, inventories and sets of datasheets pre-dating 1970 provide substantial evidence of these pieces and their acquisition. This paper argues that in addition to studying and preserving what was salvaged, examining missing artefacts through archival and photographic evidence sheds a more comprehensive light on the value and specificity of the museum’s textile heritage formed through successive curatorial teams from the 1920s to the late 1960s. This research especially explores the importance of paper records as invaluable data to bring new meanings about the history of the collection, as well as physical objects. Through their tactile, textual quality, they act as placeholders in which are inscribed the curator’s choices and the textiles’ material memory. Focusing on the transience of this textile collection opens theoretical and methodological ways to materialise the rich diversity of textile craftsmanship pre-1970 (motifs, styles, techniques) and critically examine further the destructive nature of the Khmer Rouge regime and civil war.

The diverse histories of national and transnational design have included research on institutions, collectives, and entities that developed projects concerned with the practice or teaching of design, with longer or shorter permanence, towards a historiographic construction built on their legacy. In this context, we examine the transience and exceptional nature of Empresa Editora Nacional Quimantú, a state publishing project carried out in Chile between 1971 and 1973 by a socialist and democratically elected government that ended abruptly due to a military coup. From a qualitative and quantitative methodological perspective, as well as archival work, we analyse the intersections between design and the editorial guidelines of its catalogue (books and magazines), in addition to the trajectory of the largest publishing enterprise formed in the country, during a brief operating period of two and half years. This instance opened a space for collaboration and experimentation between directors, designers, and workers within management structures. The presence of a large-scale social publishing model is studied for its unprecedented print runs in the national readership market, where the ‘design’ factor—in terms of form, content, and strategy—had a fundamental role, and the volume of printed books exceeded the country’s total population. Interrogating the archives, collections, and titles designed under Quimantú—a project that has acquired a ‘publishing mythology’ character for its fleetingness and high production levels—opens the possibility of looking into a heritage of editorial products designed with the urgency of taking culture to popular sectors, and the immediacy of a political process of radical changes that appealed for the mass production of images, texts, and discourses. Finally, the problem of production time becomes relevant as content production teams, collections’ designs, and the dissemination and sales spaces introduced some ideas and innovations into the Chilean publishing milieu.

Reseña acerca del último libro publicado por Lola Caparrós acerca de los Concursos Nacionales que, hasta el estallido de la Guerra Civil, intentaron dinamizar el panorama artístico español.