A partir de trazos de texto y de escena teatral, este artículo pretende proponer un retorno al inicio de la década de 1960 para echar un vistazo a los creadores de uno de los montajes teatrales más exitosos del período: Os Ossos do Barão, de 1963. Escrita por Jorge Andrade, la pieza fue puesta en escena por Maurice Vaneau en el Teatro Brasileiro de Comédia (TBC). El encuentro resultó en una producción que permaneció en escena durante algunos años y atrajo a espectadores y críticos, y, actualmente, nos ayuda a comprender la presencia de directores extranjeros en Brasil y una forma de producir teatro que consolidó la presencia de directores/directoras en las décadas siguientes.

This study investigates the change in the theatre organization in Rio de Janeiro due to the arrival of the Portuguese royal family in 1808. Up to then, the only existing theater in the capital of the vice-kingdom Manuel Luiz Ferreira’s Casa da Ópera followed the architectural, repertoire, scenery, costumes and organizational patterns of the Portuguese public theatres of the 18th century with a peculiar characteristic: most of its artists were free and enslaved Portuguese-Brazilian, Blacks, and mestizos individuals. This reality gradually changed with the arrival of the Bragança court in Rio de Janeiro as the monarch ordered the construction of the Real Theatro São João — the ‘decent theater’ in the words of the prince regent in 1813 — and favored the hiring of European actors and actresses. By exploring this ongoing change in the organization of the theater, this research seeks to constitute the colonial scene up to the arrival of the royal family in 1808 to question the whereabouts of local artists and to look for traces of their presence on the 19th-century scene.

O artigo apresenta um balanço teórico das principais interpretações em torno da ideia de teatro moderno e identifica algumas problemáticas relacionadas à sua difusão. Para tanto, são analisadas as perspectivas que observam o fenômeno por meio do advento da encenação e por meio de inovações dramatúrgicas, para, em seguida, serem examinadas sua inserção no contexto brasileiro e seus vetores básicos de disseminação conceitual. Objetiva-se, assim, o entendimento dos processos históricos e intelectuais que viabilizaram sua construção e seus usos.

This study provides a panoramic analysis of popular and workers’ theater experiences from the late 19th century onward, encompassing European experiences in the context of urban growth and the rise of naturalism and the autonomous or self-active workers’ theater movement linked to the growth of the labor and revolutionary movements. It also examines significant popular and workers’ theater experiences in Brazil. This study aims to ponder the funding mechanisms of these groups, such as subscription schemes, state funding, and support from workers’ organizations, such as unions and political parties. It also discusses the relationship between these funding methods and the goals of theater groups, as well as their connections with the communities in which they are integrated, including the dynamics between amateurism and professionalism within these collectives.

Este artículo presenta parte de la investigación sobre el Teatro Experimental Negro, que aborda las dificultades de la constitución de públicos negros en la época y su impacto en la producción escénica. Además, a partir del análisis de fotos escénicas de los espectáculos del grupo, especulamos sobre posibles efectos de la recepción en la cadena productiva teatral que siguió al TEN como legado poético y performativo para futuras generaciones de artistas y públicos negros. En este artículo, intentaremos una reflexión sobre la imagen fotográfica del grupo, considerando las implicaciones sociales de la recepción del cuerpo racializado en el arte y la vida.

Os mais diversos públicos de arte estão a cada dia mais familiarizados com técnicas e modos de ter seu encontro mediado por diferentes experiências artísticas. No entanto, o desenvolvimento da mediação enquanto função profissional está desigualmente distribuído entre as diferentes áreas culturais. Seria esse desequilíbrio o sinal da incapacidade crônica de operar uma síntese entre a educação popular e a política artística e cultural? Ou seria o resultado de uma síntese impossível entre as práticas e os desafios das diferentes áreas das artes e da cultura? Uma análise das mediações no teatro e na dança, apresentada neste artigo, traz algumas respostas a essas questões, tornando evidente a natureza ao mesmo tempo ímpar e diversa da arte e dos objetos culturais, contrapondo-se a uma visão única e homogênea do papel da mediação cultural e da função dos agentes mediadores.

Diante de uma obra de arte, a leitura dos diversos signos oferecidos ocorre tanto sobre a obra quanto para além dela; a leitura da cena corresponde a criações recuperadas pelos espectadores, sempre de maneira diversa e imprevisível. Este artigo apresenta os estudos de mediação efetivados pelo grupo Instável Núcleo de Estudos de Recepção Teatral (iNerTE), que procura entrecruzar o estudo de teorias da recepção e a prática de mediação proposta aos espectadores. Entre as ações de mediação organizadas pelo grupo, destacamos os diálogos com espectadores, ocorridos após a apresentação de espetáculos, que batizamos de debates pelo avesso. Como estudo de caso, descrevemos o debate realizado a partir do espetáculo 66 minutos em Damasco, apresentado na I Bienal Internacional de Teatro da Universidade de São Paulo – Realidades Incendiárias, em 2013. Torna-se possível constatar, a partir dessa análise, que o engajamento dos participantes em um debate não se efetiva apenas pelo divertimento, tendo em vista o ambiente de ludicidade em que pode se instaurar, mas que se faz necessário que partilhemos o propósito de estarmos ali. Além disso, notamos que os eixos reflexivos da pesquisa desenvolvida pelo grupo são instauradores do convite, evidenciando o momento primordial em que os espectadores revisitam as próprias referências em busca da leitura dos signos artísticos apresentados pela obra.

This paper analyses three performative works by contemporary Brazilian artists that tackle the topic of work, focusing on Walter Benjamin’s theory and employing his proposed division between the first and second technique. This allows us to discuss these works outside the scope of relational art and unveil their political bias through other perspectives, no longer restricted to mere public participation, but to the formal choices encompassed by each proposal. We note from the adopted perspective, that featuring elements from the world of work within artistic productions, in these cases, invites public and artists to engage in modes of shared distraction as a critical form.

Este trabalho, que se vincula à pesquisa desenvolvida em O Círculo – Grupo de Estudos Híbridos das Artes da Cena1, busca discutir o conceito de corpocidade como uma possibilidade dramatúrgica, construída a partir da ação e do recorte de enquadramentos com o olhar. O contexto urbano contemporâneo aparece como um convite a transformar-se a partir da presença e da performatividade. Desse modo, o registro da experiência do e no corpocidade configura-se como possibilidade de constituir dramaturgias apontando para a eclosão de diferentes verdades, ao invés de uma única. Interessa-nos o recorte do dramaturgo (e da dramaturgia) que incorpora a urbe como disparadora desses processos. Assim, expõem-se algumas experiências que podem ser referências concretas de práticas e não um modelo a ser seguido. Muito se teoriza sobre como provocar a nós mesmos, artistas-pesquisadores, para que possamos despertar estados potenciais de criação, e essa pesquisa convida a olhar para a experiência na cidade como prática performativa.

Este texto traz uma análise crítica da obra Fuck me, da diretora, autora e intérprete Marina Otero, e apresenta algumas escolhas cênicas da artista que reverberam em questões emergentes para a cena contemporânea latino-americana no que diz respeito às experimentações sobre o teatro do real e as possibilidades de protagonismo feminino.