La domination est le plus souvent comprise du point de vue du dominant plutôt que de celui du dominé . Le système occidental eurocentrique et sa narratocratie, à partir desquels la composition contemporaine a évolué, nécessitent un changement significatif. Ce basculement vers la décolonisation est essentiel si l’on veut favoriser une vision du monde plus inclusive et transformer la narratocratie existante. La transformation des institutions exige un virage profond vers la décolonisation et l’indigénisation. Cette réorientation, soutenue par une nouvelle vision du monde, est cruciale dans la promotion de l’inclusivité et l’opposition de la narratocratie actuelle. Les pratiques artistiques, y compris les compositions contemporaines, sont enracinées dans les traditions et normes du passé. Cela peut se justifier en ce qui concerne les méthodes et pratiques, mais ne peut s’appliquer aux traditions socioculturelles et aux préoccupations actuelles visant à contrer les biais culturels dominants, comme la décolonisation. Le Conseil consultatif autochtone (CAA) du Centre de musique canadienne est une organisation qui cherche à réconcilier les oeuvres ignorant les protocoles autochtones et portant préjudice aux peuples par des représentations erronées. Par ces actions, le CAA vise à offrir des perspectives sur des méthodes décolonisées pour engager les cultures autochtones de manière respectueuse et réciproque. Les traditions musicales occidentales, fondées sur l’exploitation des chants populaires pour l’expression créative, ont permis à des compositeurs tels que Léo-Pol Morin, John Jacob Weinzweig, et Edward MacDowell, entre autres, de s’approprier et d’utiliser des chants autochtones sans se soucier des effets sur les peuples autochtones et leur culture. Les enregistrements ethnographiques et l’absence de collaboration avec les autochtones lorsqu’il est question de leur culture et leur musique illustrent ces pratiques extractives historiques. Ces méthodes persistent encore aujourd’hui, augmentant un catalogue de compositions basées sur des thèmes autochtones qui continuent de causer du tort aux peuples autochtones. En tant que compositeurs, nous pouvons représenter le changement par des actions menées indépendamment des institutions. Accepter les points de vue exprimés par les peuples autochtones dans la société contemporaine offre un moyen de renoncer au contrôle systémique sur l’expression artistique en musique. Les moyens d’y parvenir reposent largement sur l’adoption de méthodologies cycliques basées sur les modes de connaissance et de pratique autochtones. L’inspiration ne doit plus être tirée de la musique autochtone elle-même, mais d’une compréhension de la coexistence et de l’harmonie avec les peuples autochtones.

This article presents a framework for classifying instrumental timbres, addressing the expanding sonic possibilities in contemporary orchestration and musical practice. As composers move beyond pitch-centered traditions, integrating noise-based effects and extended techniques—new analytical tools become necessary. This study introduces the concepts of metatimbre and paratimbre, structuring and applying them through Metatimbre Classes (MetCs) to categorize timbres based on perceptual similarity rather than instrumental origin or technique. MetCs encompass single-instrument, multi-instrument, or hybrid sources, grouping timbres under musical archetypes such as “flute-like” or “breath-like.” Analyses of György Ligeti’s Kammerkonzert and Helmut Lachenmann’s temA illustrate the framework’s applicability. By shifting the focus from individual instruments and their techniques to broader timbral groupings, this framework provides a structured approach for analyzing and conceptualizing timbre and its functional role in orchestration.

Recent Recordings / Ensemble Modern (cond. Johannes Kalitzke), Gareth Davis, Neue Vocalsolisten Stuttgart, Arditti Quartet, Klangforum Wien, Evis Sammoutis: Atrapós, Kairos, 0022050KAI, March 2025 / Marco Fusi, Charles Deluga, Lei Liang, Lei Liang: Six Seasons, Kairos, 0022054KAI, October 2024 / Mivos Quartet, Lei Liang: Six Seasons, New World Records, NW80840, June 2023. Un article de la revue Circuit (Oralités) diffusée par la plateforme Érudit.

Souffle transculturel : survol de la Série Hommage à Sandeep Bhagwati (Saison 2023-2024), entretien avec le compositeur et commentaires sur quelques oeuvres et performances. Un article de la revue Circuit (Musique et temps critiques) diffusée par la plateforme Érudit.

Entretien avec le compositeur et artiste multimédia Miodrag Lazarov Pashu, réalisé par son fils, le musicologue et pianiste Viktor Lazarov. La discussion est entamée autour du contexte de l’immigration au Canada, à Montréal, de Lazarov Pashu dans les années 1990, et se poursuit avec le début de sa carrière et ses études doctorales. Ce dernier se confie sur le choc culturel qu’il a subi et sur sa difficile adaptation au nouveau milieu artistique. Il décrit ensuite sa performance dans une galerie à New York en 1993, et explique le changement de direction artistique qui lui est advenu dans les années 1990. Il parle de la composition de son premier quatuor, oeuvre charnière, située dans ce contexte, puis compare les approches artistiques et les institutions culturelles de Belgrade et de Montréal. Le compositeur évoque l’influence de la musique de Rachmaninov sur ses oeuvres pour piano et son procédé de composition, notamment en ce qui a trait à la Valse (2008). Finalement, la création et l’interprétation de celle-ci par Viktor Lazarov sont discutées, amenant les interlocuteurs à tracer un lien entre l’interprétation musicale et l’art que le compositeur rattache au phénoménalisme.

Cet entretien réalisé en septembre 2021 balaye les grands thèmes de l’activité de recherche et de création du compositeur et sociologue français François Ribac, en se focalisant sur le projet collaboratif « Arts de la scène et musique dans l’Anthropocène » (2016-2019), qui associait un programme de recherche (enquêtes de terrain sur la matérialité des instruments de musique et sur les positionnements écologiques de divers groupes et institutions), un séminaire international (Le Son de l’Anthropocène) et des actions collectives (notamment le Grand Orchestre de la Transition) impliquant artistes, activistes et habitant·e·s de Dijon. Ce programme a mené Ribac à distinguer trois grandes approches de l’environnementalisme : les politiques de limitation de l’empreinte matérielle de la production scénique ; la production d’oeuvres alertant ou éduquant le public sur la crise écologique ; enfin, la coconstruction de projets participatifs locaux entremêlant les dimensions matérielle et esthétique. L’entretien aborde également des questions de recherche sur l’histoire environnementale et les représentations de la nature dans la musique classique, ainsi que les enjeux politiques actuels.