Este artigo tem como objetivo apresentar e discutir os significados produzidos em um curso de extensão on-line, oferecido em 2021, durante o período de pandemia e de isolamento social, que foi estruturado em duas aulas e que tinha como público-alvo professoras(es) de música não indígenas, com o objetivo de capacitá-las(os) para o ensino da Música dos povos originários, em consonância com os pressupostos da Lei n.º 11.645/2008. A primeira aula, ministrada pelo autor, abordou questões teóricas sobre repertório, instrumentos musicais, danças, cosmovisão e modo de vida do povo Guarani Mbya. Para ensinar sobre esses aspectos, o pesquisador procedeu a uma revisão bibliográfica sobre o tema e realizou uma entrevista informal com o cacique da aldeia Sapukai de Bracuhí, localizada em Angra dos Reis-RJ. A segunda e última aula foi um concerto didático ministrado por um coral formado por músicos e cantores da aldeia citada. Após as aulas, como forma de avaliar o curso, o pesquisador e as(os) cursistas escreveram textos sobre a experiência, que foram analisados por meio da técnica de análise de conteúdo por categorização, para se compreender os sentidos que foram produzidos pelo curso. Percebeu-se que é possível empreender um ensino de música decolonial, que, apesar de suas limitações, valoriza os diferentes saberes e possibilita que as(os) professoras(es) de Música produzam uma rede de significados sobre si, sobre os outros, sobre o mundo e sobre o ensino, que pode culminar em ações de valorização das diferenças e combate às bases estruturais das desigualdades.

O artigo aproxima música e filosofia para interrogar a escuta da experiência sonora das crianças em seus começos lúdicos. A fenomenologia como percurso metodológico parte da noção de obstáculo pedagógico de Gaston Bachelard com o objetivo de tensionar a experiência lúdica de linguagem das crianças na educação infantil e enfrentar a hegemonia de uma educação musical escolarizada. A investigação compreende que a experiência sonora é narrativa que toca o mundo em presença, persegue sentidos e se arrisca a imaginar e produzir uma usina de gestos poéticos. A centralidade e alteridade das crianças na produção da música redimensionam os modos de realizar pesquisa em educação musical, acolhendo seu corpo musicante que intensamente nos convida a interrogar a educação musical.

Se presentan los primeros resultados de una investigación sobre el diseño y fabricación de una guitarra impresa en 3D. En particular, se introduce y analiza un modelo modular optimizado para su producción en impresoras de escritorio de tamaño estándar. El objetivo es visibilizar el modelo, reflexionando sobre el proceso de diseño digital y las técnicas de fabricación aditiva, enfatizando sus intersecciones y diferencias clave con la luthería tradicional. Para ello, esta investigación se sitúa en el contexto actual, exponiendo el estado del arte sobre la aplicación de la fabricación digital en la construcción de guitarras. Luego, se detallan las decisiones de diseño, materiales y fabricación que guiaron el desarrollo del modelo, entre ellas la modularidad y dimensiones. Se exponen las principales virtudes y falencias del modelo, y se proponen cambios a implementar en una segunda versión. Finalmente, se presentan reflexiones sobre futuras exploraciones y los impactos esperados en la luthería local y en investigaciones relacionadas con la respuesta vibroacústica de instrumentos de cuerda. Es importante enfatizar que este trabajo se centra en los aspectos estructurales del modelo, los cuales deben optimizarse antes de abordar el estudio del timbre del instrumento. No se incluye un análisis vibroacústico de la guitarra, el que es parte de trabajos en desarrollo.

Este artículo analiza el contexto de los espectáculos musicales en las principales ciudades chilenas a inicios del siglo XX, tomando como caso de estudio la gira que el guitarrista y ventrílocuo español Francisco Sanz Baldoví realizó en el país en 1913. Este artista ha sido reconocido como una figura clave en el desarrollo de la ventriloquia, sin embargo, sus conciertos de guitarra, que formaban parte de sus montajes artísticos, han sido pasados por alto en la historiografía de la guitarra solista como instrumento de concierto. Esto llama la atención, en particular respecto al medio chileno, donde Sanz desarrolló una extensa actividad de conciertos de gran masividad, contribuyendo a difundir la guitarra de concierto entre un público amplio. En este trabajo se contextualiza el montaje de Sanz en el marco del desarrollo de la industria cultural y musical de inicios del siglo XX. Con información de prensa recabada sobre sus actuaciones en Chile, se analiza cómo lo particular de su presentación artística ayudó a enriquecer el panorama de los espectáculos musicales, al tiempo que tensionó los mecanismos habituales de difusión de la guitarra de concierto.

O presente estudo tem como objetivo analisar os processos musicalizadores vivenciados por 16 crianças autistas, na pesquisa de doutorado em andamento “Tocando do jeito delas: o piano como instrumento musicalizador de crianças com Transtorno do Espectro do Autismo de 3 a 5 anos”. Optamos por descrever cenas de situações reais em sala de aula, como um convite à reflexão e por acreditarmos que esses exemplos podem oferecer insights e inspirar professores de piano e educadores musicais em suas práticas docentes com essa população. Essas cenas foram organizadas em três categorias, conforme a modalidade de experiência musical enfatizada: (1) musicalizar por meio de cantorias - canções e inventos; (2) musicalizar por meio da apreciação musical; (3) musicalizar por meio de instrumentos musicais. Como principais resultados, observamos que, ao proporcionar experiências musicais para as crianças autistas tendo o piano como instrumento musicalizador, a música abriu canais de comunicação, permitindo que as crianças não só tocassem o piano, mas se expressassem cantando, criando, improvisando, dançando, movimentando, interpretando, regendo. Essa expressão livre, vivenciando e comunicando a música “do jeito delas”, foi proporcionada através de abordagens centradas em cada criança. À sua maneira, cada uma se revelou protagonista de um fazer musical subjetivo, singular, espontâneo por meio da criação, apreciação musical e performance. Assim, estimulamos os professores a ministrarem aulas de piano para crianças autistas ainda na primeira infância, pois um trabalho efetivo e que acolha as singularidades desse público proporcionará ganhos no desenvolvimento musical e em aspectos sociocomunicativos que reverberarão por toda vida.

Este artigo trata da pesquisa de mestrado em andamento, intitulada “A cena e o canto em sala de aula”, que pretende investigar uma abordagem indisciplinar e integrada do canto como componente de estudo vocal para atores e atrizes em formação. O conceito de indisciplinaridade parte de pressupostos apresentados junto à Teoria Corpomídia de Helena Katz e Christine Greiner, que pregam a abolição da ideia de disciplina, visando uma epistemologia do corpo que o compreenda como a matriz e o mediador da comunicação humana. Com base nestas premissas, bem como em levantamentos a respeito das atuais tendências pedagógicas no ensino de canto e apoiando-nos na concepção de laboratório como metodologia nas Artes Cênicas (Scialom, 2021), apresentamos, neste artigo, as propostas de dois laboratórios de voz para alunos de Bacharelado e Licenciatura de Artes Cênicas da Universidade de São Paulo. Constatamos, a partir da aplicação dos laboratórios, que este formato emerge como uma alternativa viável aos modelos tradicionalistas, fornecendo um ambiente indisciplinar que contempla a natureza biocultural e integrada do corpo e, portanto, do ser, contribuindo, assim, de maneira ampla para o campo da pedagogia vocal.

Este trabalho apresenta um desdobramento de uma dissertação de mestrado cujo enfoque consistiu em problematizar as relações entre corpo e voz durante a performance musical do cantor popular. No recorte apresentado neste artigo, investigaram-se possíveis estratégias e procedimentos didáticos relacionados à construção de uma corporeidade que favoreça a elaboração da presença cênica durante a performance do cantor popular. Este estudo toma como referência teórica a cooperação de educadores musicais e pesquisadores da área do Teatro, os quais estabelecem relações entre a performance vocal e os regimes expressivos no âmbito do corpo a ela associado. Com enfoque qualitativo, a pesquisa tomou como substrato empírico a criação de um laboratório de estudos que culminou com a elaboração da oficina intitulada Corpo – Diálogos com a Presença Cênica, junto a interessados nessa temática, cuja atividade artística teve conexão com a prática do canto. As atividades foram feitas de forma virtual devido à pandemia da Covid-19. Os participantes expressaram de forma unânime que as atividades vivenciadas nos segmentos Consciência Corporal, Música, Teatro e Dança poderiam compor a dinâmica de uma aula de canto, como estímulo para o aprimoramento da presença cênica, envolvendo diversos aspectos, como a energia extracotidiana, a expressão facial, os gestos e os movimentos corporais em diferentes níveis, entre outros elementos. Essa reflexão almeja também estimular os professores de canto a buscarem em sua prática docente a inserção de atividades prático-teóricas que estimulem os alunos a obterem autonomia e organicidade em sua presença cênica durante uma performance musical.

Este trabalho investiga a questão do paralelismo de acordes na música de Igor Stravinsky como um evento estilístico coordenador de influências e confluências estéticas. Explorando precedentes históricos na literatura, bem como questões biográficas do compositor, o presente trabalho demonstra uma série de manifestações composicionais desta prática, não apenas na música de Stravinsky, mas também no Nacionalismo Russo do século XIX (em especial na obra de compositores do Círculo Balakirev) e na obra de compositores com os quais Stravinsky estabeleceu algum tipo de relação de amizade (incluindo Claude Debussy e Maurice Ravel). Observando que esta aptidão possui colateralidades com o início da prática polifônica medieval teorizada, o paralelismo de acordes frequentemente empregado no modernismo stravinskiano representa um afastamento prático dos mecanismos de condução de vozes (especialmente aqueles com ênfase na idealização dos movimentos oblíquo e contrário) que se estabeleceram durante o predomínio do sistema tonal. Não menos importante do que as amplas e demais questões que envolvem o tecido de superfície de suas composições, os momentos em que acordes são articulados em paralelo constituem um dos traços tipicamente relacionados à música de Stravinsky.

Os professores de instrumento musical, mesmo aqueles que nunca estudaram as teorias motivacionais, desenvolvem e adotam suas próprias estratégias para lidar com a motivação dos alunos. No entanto, não sabemos quais são as estratégias que os professores adotam, particularmente no contexto do ensino de instrumento musical. Diante dessa lacuna, o objetivo deste estudo foi analisar a forma como esses docentes procuram lidar com a motivação dos alunos. A análise foi conduzida sob a ótica da Teoria da Integração Organísmica, oriunda da Teoria da Autodeterminação. Inicialmente, 16 professores de uma escola de música responderam a um questionário para fornecer informações sobre seu estilo motivacional. Depois, os professores com pontuação mais alta e mais baixa foram selecionados para entrevistas e observações de aulas. Os resultados mostram que os professores utilizam estratégias baseadas em todos os estilos regulatórios simultaneamente (regulação externa, introjetada, identificada e integrada). Além disso, demonstram um discurso relativamente mais promotor de autonomia em oposição a uma atuação relativamente mais controladora. As estratégias aqui analisadas, principalmente as controladoras, podem ser um tema relevante para discutir o ensino de instrumento e elucidar as consequências motivacionais das ações dos professores.

A produção musical destinada à cena pelo compositor pernambucano Euclides de Aquino Fonseca (1854-1929) ocupa um papel de destaque em seu precioso catálogo de obras hoje disponíveis. No entanto, quatro de seus títulos sobreviventes – dos quais se nos apresentam duas tragédias e duas comédias – emanam muitos problemas relacionados, sobretudo, aos universos da poética, da instrumentação e da orquestração. Deixando de lado a problemática relacionada aos libretos, neste pequeno trabalho, e a partir de uma criteriosa análise das fontes originais, secundárias e correlatas, tentamos abordar os principais tirocínios instrumentais do mestre naquele âmbito teatral, sugerindo achegas que possam contribuir, em futuro próximo, para os esforços de reconstrução de tal conjunto de obras.