Los compases musicales han sido de suma importancia durante toda la historia de la música, pues es gracias a esta herramienta que se escribe la música y que a través de ella se ejecuta y se divulga, no obstante, aquellos quienes estudian la música de manera formal entendemos los compases musicales como sólo una herramienta para escribir y representar la música, por tanto, dentro de este artículo se investigan los compases musicales desde otra perspectiva: mediante las matemáticas, se buscaran expresiones que sean capaces de describir los compases musicales y así hallar una nueva forma de estudiarlos, en segunda parte, como consecuencia, se construye un posible análogo al teorema de Pitágoras lo que nos da las bases para empezar a desarrollar parte de la geometría a partir del uso único de variables musicales como el tempo, el quebrado rítmico, el tiempo de una canción y del número de compases.

This article originated from a conversation between John Richards and Tim Shaw. The conversation is a response to the journal’s theme, Augmented Instruments. Instead of focusing on just one instrument, the authors decided to talk more generally about their overall aesthetic and process of making performance-installations. The conversation touches on augmentation, DIY instruments, unpredictability, and offers the reader examples of their own self-made musical devices. The discussion concludes with three emergent themes: Reductionism, Raw Materials, and Fields of Influence. They hope this transcribed conversation provides a useful starting point for readers interested in Richards’ and Shaw’s experimental approach to electronic music and idiosyncratic instrument design.

Este artículo aborda el timbre como un aspecto importante en la interpretación de obras para guitarra, y se enfoca particularmente en un repertorio en el cual no son explícitas las indicaciones tímbricas. Para ello, se define inicialmente el papel que ha ocupado el timbre dentro de la comunidad guitarrística a lo largo de la historia; posteriormente, se determina qué aspectos técnicos del instrumento permiten variación tímbrica; y, por último, se clasifican las funciones que ocupa el timbre dentro del discurso musical a partir de ejemplos de diferentes periodos estilísticos. Esto con el fin de presentar una visión interpretativa, por medio de la cual, el intérprete guitarrista pueda incorporar estos matices de una manera clara, consciente, y coherente con el discurso musical.

La obra fue compuesta durante una residencia artística en México como premio de composición en música contemporánea de Ibermúsicas en el año 2016. Los materiales musicales fueron inspirados en vestigios de músicas precolombinas conservadas por la comunidades Totonacas y Nahuas que habitan en los límites entre Veracrúz y Puebla, México. La obra fue creada a partir una reflexion en donde se evidencia la relatividad de la temporalidad, concepto al que hacen alusión muchas de las expresiones de las culturas mesoamericanas, a través de la superposición y alternancia de dos musicas en diferentes velocidades y que obedecen a naturalezas rítmicas distintas.

En el medio musical es ampliamente reconocida la importancia de la improvisación como recurso para el fomento del pensamiento activo y creativo del músico. Su práctica implica, entre otros aspectos: tomar decisiones en tiempo real, escuchar a otros, predecir y experimentar nuevas estructuras y organizaciones musicales, y llevar a cabo ajustes sensoriales y perceptivos necesarios para una adecuada interpretación. Este artículo sintetiza las principales concepciones y mecanismos desarrollados por una muestra significativa de improvisadores colombianos en sus respetivos contextos. Para ello, empleando una metodología etnomusicológica centrada en el estudio de caso, los autores examinan cómo estos músicos conciben la improvisación a partir de sus experiencias de vida. La investigación determina cómo la improvisación instrumental observada en los aires tradicionales se concreta gracias a una preparación previa dentro de cada marco cultural y por el concurso de algunos materiales y procedimientos concretos.

Luego de una búsqueda de repertorio latinoamericano para el conjunto instrumental de clarinete, viola y piano (Correa Suárez & Sheldrick, 2019), se hace relevante dar conocer a profundidad lo encontrado. Por tal razón, este artículo provee información sobre tres de las obras escritas por un mismo compositor, Liduino Pitombeira (Brasil, 1962). Se incluye un análisis formal y del uso de los instrumentos a lo largo de las obras.

El siguiente artículo se propone hacer una aproximación analítica al libro Blancas, negras y mulatas (volumen 2, 2016), del compositor colombiano Víctor Agudelo (1979) -- Se quiere partir de cuatro pilares estructurales que comparten las piezas para piano que lo componen, a saber: influencias de ritmos colombianos, notaciones contemporáneas, técnicas pianísticas y pedagogía del piano -- Se busca con ese análisis mostrar cómo las piezas cumplen con los objetivos con los que fueron compuestas, y además proponer, desde una perspectiva pedagógica, algunos parámetros para la ejecución de las piezas

The academic composition has always looked for ways to nourish the music of popular tradition and it is possible to trace, in the history of Western music, many composers who have resorted to their use. It is important to continue observing and studying the creative processes that keep both musical practices alive and artistic expressions that continue to explore different ways of establishing relationships between academics and the popular. My intention is to show different ways to include sound elements that make reference to popular music or contexts in the composition of electroacoustic music and see its impact on musical discourse. Categories will be established for the identification and analysis of what I will call 'popular sound object' and the way in which it has been used and manipulated by different composers in Latin America and, in particular, in Colombia will be noted.

Se presenta un catalogo actualizado de las obras musicales del compositor y pedagogo Carlos Posada Amador (* Medellin, 25 de abril de 1908 - † Mexico, D. F., 22 de diciembre de 1993), quien, en su labor como creador, encontro en las mas variadas tradiciones, escuelas, corrientes y estilos de la musica occidental y de la cultura universal las mejores fuentes para su escritura musical.

Desde una perspectiva humanistica critica, el autor parte reconociendo avances importantes en el logro de desarrollos tecnicos y de las capacidades motrices y mentales que requiere la musica, al mismo tiempo que advierte sobre las dificultades del modelo formativo para brindar una cultura amplia y apropiada, es decir, una educacion que no solo los adiestre para poder desplegar y exhibir ciertas destrezas –afinar, leer una partitura, tener una competencia ritmica fluida, ejecutar cierto repertorio, etc., – sino que le ayude a reconocerse en su individualidad, lo estimule a ser un sujeto con criterio, le permita sentir el caracter colectivo de su naturaleza personal, lo prepare para ser alguien que se mueve con comodidad en el mundo del lenguaje, las razones y las emociones. De la mano de autores como Michel Serres, Boaventura de Souza Santos y de la filosofa Martha Nussbaum, se senalan caminos posibles para que la educacion musical retome los objetivos de un florecimiento humano que forme, desde la prspectiva de lo sonoro, para el logro de una vida realizada y feliz.